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Los ganadores del Luxembourg Art Prize

Los tres galardonados del Luxembourg Art Prize 2021 son...

Los tres galardonados de la 7ª edición del Luxembourg Art Prize 2021 son artistas de Brasil, Canadá y Lituania:

1er premio: Celina Portella, Brasil
2º premio: Francis O'Shaughnessy, Canadá
3 er premio: Laisvydė Šalčiūtė, Lituania.

Los premiados se repartirán la suma de 80.000 € (unos 100.000 dólares americanos) para gastar como mejor les parezca y repartido según la clasificación establecida por el jurado independiente. Estos obtendrán, respectivamente, 50.000, 20.000 y 10.000 €.

Celina Portella (Brasil), 1era premiada del Luxembourg Art Prize 2021

▸ Celina Portella nació en Río de Janeiro en Brasil en 1977. Ha cumplido 44 años en 2021. Vive y trabaja en Río de Janeiro.

Los artistas en los se inspira son Andrea Fraser, Erwin Wurm, Helena Almeida, Yvonne Rainer, Ana Linnemann, Lenora de Barros, Carmela Gross, Trisha Brown, Liliana Porter, Rebecca Horn, Fischli & Weiss, Robert Morris, Richard Sierra y Dennis-Oppenheim.

Ha obtenido la suma de 50.000 € correspondiente al 1er premio, las felicitaciones del museo y de los miembros del jurado. Es libre de utilizar este dinero como mejor le parezca.

«Me interesan de manera particular la búsqueda interdisciplinaria en la imagen, el movimiento y el cuerpo. Mis estudios relacionan elementos de fotografía y vídeo en diferentes soportes. Estos últimos años, he trabajado con instalaciones, en obras que se caracterizan, sobre todo, por cuestionar la representación del cuerpo y su relación con el espacio. En el cruce de varios géneros, involucrados a la vez, me intereso por el mundo de la danza, la interpretación, la arquitectura, el cine y, de forma más reciente, la escultura.

Mi trabajo está estrechamente vinculado al universo de la coreografía, gracias a mi experiencia profesional con la danza como bailarina y co-creadora, de donde procede mi interés por las acciones del cuerpo y los problemas de su representación.

Después de mis primeros vídeos, llevé a cabo un profundo estudio sobre la proyección del cuerpo a tamaño real y la superposición de imágenes, incorporando la materialidad arquitectónica al trabajo. Las proyecciones me han llevado a cuestionarme de forma específica el soporte de vídeo y de imagen, y a explorar nuevos medios y tecnologías.

Entonces empecé a crear una serie de obras donde el cuerpo aparece en la imagen en interacción con los límites de su marco, incluyendo materialmente el mundo de los objetos, o de la escultura, en un campo virtual en sus orígenes. Al proponer una interacción entre la expresión corporal y el medio, trato de convertir la fotografía y el vídeo en elementos estructurales de la propia obra, de forma tal que la creación y el medio se unan, haciéndose inseparables.

El punto central de mi trabajo converge, pues, en el límite entre la realidad virtual y las acciones corporales, en un intento de eliminar sus fronteras y mezclar lo real con el universo de la ficción. Con el artificio del trampantojo y la integración radical de los medios, trabajo en el terreno ambiguo entre lo material y lo inmaterial, entre la objetividad del mundo y la ilusión».

Obra seleccionada:
«Corte/1» (Corte/1), 2019, Fotografía cortada, 135 x 95 cm (53 x 37 in.)

Descripción:
«En la obra "Corte/1", el papel donde está imprimida la fotografía está cortado físicamente de forma que el corte real corresponde a la acción representada en la imagen. La obra forma parte de una serie en la que materializo la acción representada en las imágenes, en los soportes de las obras, en fotografía, vídeo y lienzo. Mi cuerpo, en interacción con la propia imagen, corta el papel que la materializa, modificando mi propia representación y creando un vínculo entre la imagen y el material».

Francis O'Shaughnessy (Canadá), 2º galardonado del Luxembourg Art Prize 2021

▸ Francis O'Shaughnessy nació en 1980 en Lévis, Québec, en Canadá. Ha cumplido 41 años en 2021. Vive en Montreal en la provincia de Québec en Canadá.

Los artistas que lo inspiran son Sally Mann, Alex Timmermans y Borut Peterlin.

Ha obtenido la suma de 20.000 € correspondientes al 2º premio, las felicitaciones del museo y de los miembros del jurado. Es libre de utilizar este dinero como mejor le parezca.

«Debido a la pandemia del COVID-19, me ha sido difícil continuar con mis investigaciones fotográficas, porque no podía recibir modelos para mis estudios. Entonces, se me ocurrió instalar un aparato de fuelle delante de un ordenador para convertir representaciones digitales inéditas en collodion húmedo. Quería recrear producciones anteriores y «recontextualizar», reinterpretar mis temas favoritos. El resultado fue tan interesante que hice una serie. De esta forma, combiné procedimientos antiguos con la tecnología actual.

Al contrario que la fotografía digital, el collodion húmedo es un proceso ancestral de donde procede la fotografía (1851). En dos palabras, se trata de una técnica en la que fabrico un jarabe amarillento llamado collodion húmedo, que endurezco en una placa de aluminio. Después, lo meto en un aparato de fuelle para hacer una toma. Con diferentes componentes químicos, revelo la placa negativa y después la positiva. Barnizo la matriz con aluminio para poder conservar mi prueba intacta durante un siglo. Para terminar, digitalizo la placa para hacer impresiones en papel de gran formato.

A partir de este medio tradicional, examino la materialidad de la imagen poniendo en relieve los errores, los incidentes, las imperfecciones y los desenfoques. Lo que me interesa es la experiencia totalmente manual. Necesito dedicarme a un arte que estimule los sentidos. Dicho de otra forma, pongo lo humano al servicio de la inmaterialidad y de las máquinas (hacer la postproducción en el ordenador). Es una evolución inversa con respecto a la masa, porque mi cuarto negro es mi programa de retoque. Me gusta pensar que estoy participando en la vanguardia artística antigua, un movimiento constituido por fotógrafos contemporáneos que se resisten a usar los métodos y procesos tecnológicos actuales.

En la práctica del collodion, no hay un instante decisivo, solo hay tiempo. Consiste en pasar con rapidez «fotografía slow», porque lo que yo registro son más duraciones que instantes. La escritura del tiempo es visible: el collodion que ha fluido por la placa o incluso se ha secado un rato después. La fotografía slow consiste en trabajar con la lentitud del proceso, un ritmo que se agradece en una época en la que todo va de prisa».

Obra seleccionada:
«Plaque 58», 2020 - Collodion húmedo

Descripción:
«Desde 2021, trato de provocar más incidentes con caracteres pictóricos; es mi nueva pista en la investigación-creación. He tenido que realizar más de 160 placas (con éxito y sin él) de collodion húmedo para comprender cómo valorar las texturas formales de mi trabajo. Estas texturas formales se asemejan por ubicación a la pintura a la vez que se alejan parcialmente de la descripción de lo real. Desde el inicio del COVID-19, en este estudio, no pretendo volver al (neo)pictorialismo, sino a una idea de la pintura contemporánea a través de una fotografía que se abstiene de copiarla. Para obtener imágenes fraccionadas, recurro a producciones que favorecen la locura y los incidentes del autor para dejarle una fuerte firma visual al espectador».

Laisvydė Šalčiūtė (Lituania), 3era galardonada del Luxembourg Art Prize 2021

▸ Laisvydė Šalčiūtė nació en 1964 en Lituania. Ha cumplido 57 años en 2021.

Los artistas que la inspiran son Barbara Kruger, Grayson Perry, John Baldessari, Louise Bourgeois, Neo Rauch, Marcel Dzama y Hernan Bas.

Ha obtenido la suma de 10.000 € correspondientes al 3er premio, las felicitaciones del museo y de los miembros del jurado. Es libre de utilizar este dinero como mejor le parezca.

«Las obras propuestas para el Luxembourg Art Prize pertenecen a la serie «Melusine’s Paradise». Se trata de un cuento visual para adultos, provocador y divertido a la vez, inspirado en la estadística bayesiana. Esta se funde en un teorema de probabilidad que determina la probabilidad según la cual solo se conoce una parte de la información cuando se observa una situación. Se ha creado un programa informático «anti-spam» basándose en el teorema bayesiano. Muy pocos discutirían el hecho de que el PARAÍSO es el lugar más agradable y respetuoso del entorno que podemos encontrar, y que el «spam» no es más que un desecho que contribuye a la “contaminación informativa” actual. El spam no respeta el medioambiente. En nuestro día a día, estamos constantemente rodeados de información y de imágenes digitales que nos “cuentan historias”, transforman ideas en imágenes, crean confusión y difuminan la información hasta el infinito, a la vez que la vierten en el contenido lacrimógeno. Percibo que ese flujo visual e informativo no es ecológico, y trato de oponerme a él. Por eso, he ideado un tipo de método creativo «eco-friendly»: recojo al azar en internet imágenes y textos que me interesan, los reciclo, como se haría con botellas de plástico, y los reescribo cambiándoles el contexto y el significado por el principio de la paradoja. Después vuelvo a utilizarlos para una nueva obra con el fin de crear un cuento de hadas visual para adultos, que presente nuestra realidad tal y como está construida a través de la representación. Los cuentos y las historias son un medio de comunicación en sí mismos. Desde el principio de los tiempos, la humanidad expresa sus experiencias espirituales y concretas a través de los cuentos, auténtico lenguaje universal. Ese es el resultado que quiero obtener con mi obra. Melusine, mi anti-heroína ficticia, está especialmente presente en mi obra. Ella se expresa de forma irónica y metafórica sobre las relaciones, el estatus y el anti-estatus social de nuestra vida actual, de los que ella depende igualmente, pero también sobre las mistificaciones teatrales de nuestra sociedad consumista y la idiotez tragicómica que surge de ello, motivados por la búsqueda del valor más importante de nuestra sociedad de consumidores: una «vida feliz».»

Obra seleccionada:
«The Rape of Europe», 2019 («El Rapto de Europa»), Grabado de madera, óleo y acrílico en lienzo, 159 x 159 cm (63 x 63 in.)

Descripción:
«El personaje aureolado y con los ojos iluminados es creación mía. Está inspirado en la Melusine (pronunciación española: [melusine]) o Melusina, una figura de la mitología y el folclore europeos, y que se encuentra en todas mis obras recientes. El método de realización (la técnica) de estas obras se inicia con un grabado de madera, cuyo diseño se pasa después a un lienzo con la ayuda de una cuchara, que permite cepillar minuciosamente la pintura al óleo a mano, del «diseño» al lienzo. Una vez que se ha secado el lienzo, termino la pintura a mano. Vídeo documental del método: https://youtu.be/wC2iAaOGiVs
Creé esta serie de obras implicando a mi personaje de Melusine con motivo de la invitación que me hizo el palacio ducal de Mantua (Italia) para la exposición «Coming Out» con el escultor italiano Gehard Demetz en 2019. Mi elección del soporte artístico para la exposición en el palacio ducal no se debe al azar: el método que utilizo necesita muchísimo tiempo, además de trabajo a mano y paciencia. Esta elección se integra en un diálogo con los artistas de las obras del palacio original y con el escultor Gehard Demetz. Las obras que creé pensando en esta exposición se centran en las emociones. Son (auto-)irónicas. Hace falta un cuerpo para sentir emociones. Por eso, usé las manos como herramientas para crear esas obras, porque están estrechamente vinculadas a mi cerebro, donde se encuentran las emociones. Grabé la madera a mano, porque el árbol del que procede también posee un cuerpo que puede sentir emociones, ese árbol tiene una historia: crece, echa brotes, a su alrededor suceden multitud de cosas y, de pronto, alguien lo corta. De algún modo, yo entiendo su historia al grabarlo, después pinto en lienzo nuevas historias sobre las emociones de personas actuales.»

Lionel Sabatté, ganador del Luxembourg Art Prize 2020

▸ Lionel Sabatté nació en Toulouse (Francia) en 1975. Vive y trabaja en París (Francia) y en Los Ángeles (California, EE. UU.).

Los artistas que le inspiran son: Alberto Giacometti, Pierre Soulages, Thomas Houseago y Paul Rebeyrolle.

Gana la cantidad de 50 000 €, abonada en su cuenta bancaria, y las felicitaciones del museo y de los miembros del jurado. Puede hacer uso de este dinero como desee.

La esfera de lo vivo, así como las transformaciones de la materia por el paso del tiempo están en el centro del trabajo del artista, que comienza desde hace años un proceso de recolección de materiales que llevan la huella de una vida: polvo, ceniza, carbón, pieles muertas, tocones de árboles, etc. Estos elementos se combinan de forma inesperada y las obras así creadas presentan una delicadeza, pero también una «inquietante singularidad», dando vida a un bestiario híbrido en el que criaturas de las profundidades abismales coexisten con pequeños pájaros de islas oxidadas, osos, lobos, emús, búhos, así como unicornios…

Lionel Sabatté, que trabaja la pintura, el dibujo y la escultura, intenta hacer dialogar al conjunto de sus obras en una interconexión permanente. Su investigación sobre lo mineral, lo animal, lo orgánico, en definitiva, da lugar a obras poéticas, sensibles, inquietantes y que participan en una reflexión global sobre nuestra condición y el lugar que ocupamos en nuestro medioambiente.

«El reciclaje activista de Sabatté no se resume en un problema ecológico o medioambiental. Podemos aventurar un «salto» salvador. Este reciclaje tal vez demostraría un juego de inquietudes para la supervivencia de lo vivo, la espera de un sobresalto para la escapada anhelada de una implacable condición existencial informulable a partir de ahora, en los términos simplemente «humanistas» de la posguerra. Las recogidas de «motas de polvo» en la estación de metro de Châtelet en París, la recopilación de pieles muertas en centros de pedicura para encajarlas en chatarras, madera, cemento, árboles muertos, recuerdan la industria de los traperos de antaño y la actividad de recogida por parte de niños y mujeres que buscan en los montones y las montañas de basura de vertederos ilegales de África y Asia cosas para consumir, intercambiar y vender, con el fin de sobrevivir. El trapero, evocado por Baudelaire, la «figura más provocadora de la miseria humana» según Benjamin, es la que recoge todo: «los papeles usados, los tapones, los huesos, los recortes de cartón, los clavos, el cristal roto, los gatos y perros muertos arrojados en la vía pública, en violación de órdenes, el cabello, en pocas palabras, todo lo que se podía vender». En los montones de basura, los vertidos, los residuos, los desechos, Victor Hugo hallaba «la pradera en flor», la hierba verde, la vida. Las obras de Sabatté recorren todos estos registros y nos hace entender, repetidamente, esta valoración de Benjamin comparando al escritor Siegfried Kracauer con esta figura del Lumpenproletariado («proletariado harapiento»): «Un trapero, de madrugada – en el amanecer del día de la revolución». Así es como hay que ver este juego de lanzadera entre naturaleza y cultura en movimiento, aceptando abordarlas, de todas las reflexiones sobre este tema central del pensamiento occidental» — Bernard Ceysson, 2019.

Obra seleccionada:
«Fortuna roja y subcutánea», 2019 - Óleo sobre lienzo. 130 x 130 cm (51 x 51 pulgadas)

Descripción:
«Mis lienzos pintados al óleo y al acrílico abren un diálogo con otros medios en los que mi universo plástico despliega toda su riqueza. Uso colores fundidos entre sí y atribuyo una gran importancia a la dimensión acuosa que aporta a la obra su aspecto orgánico, mineral. A partir de toques vivos y contrastados, me hago eco de las huellas del tiempo, de los cambios naturales permanentes y del movimiento inherente a cualquier forma de vida. Si unos motivos pueden surgir de estas pinturas místicas, cercanas a una estética del caos (en la mitología griega, “Caos” es una entidad esencial de la que nace el universo), se deja volar la imaginación del espectador que puede hallar, en cada lienzo, unas veces un ojo, otras veces un pájaro, una medusa, un paisaje visto desde el cielo o incluso el cielo mismo».

Jenny Ymker
Ganadora del Luxembourg Art Prize 2019

▸ Jenny Ymker nació en 1969 en los Países Bajos. Vive en Tilburg, en los Países Bajos.

Los artistas que la inspiran son: Cindy Sherman, Francesca Woodman, Grayson Perry y Louise Bourgeois.

Esta era su 3.ª candidatura al Luxembourg Art Prize

Recibe una beca de 50.000 € y las felicitaciones del museo de La Pinacothèque y de los miembros del jurado.

«El mundo imaginario puede parecer más real que la propia realidad».

Desde 2013, mi trabajo consiste en tejer fotos en forma de tapiz de Gobelins. En su origen, el término «Gobelin»" solamente podía utilizarse para los tapices hechos en la fábrica de Gobelins, en París. Hoy en día, se utiliza para hacer referencia a los tapices tejidos de forma general. Utilizo el término Gobelin porque me gusta la sonoridad de la palabra, pero sobre todo porque tiene una connotación histórica.

En sus orígenes, los Gobelins estaban destinados a aislar las frías paredes en el interior de los castillos. Muy pronto, sin embargo, la función decorativa de estos tapices se volvió predominante. Tradicionalmente, los Gobelins cuentan historias. Utilizo la forma moderna de esta técnica de tejido ancestral para representar relatos de actualidad.

En mi trabajo, plasmo situaciones para suscitar historias en los espectadores. Trato siempre de no ser demasiado literal, para que el público tenga margen para descubrir sus propias historias. Pienso que evocar historias es importante, porque creo que nuestra capacidad para contarlas es una parte esencial de nuestro ser. Trabajé durante mucho tiempo en el sector sanitario. Allí comprendí que, si una persona ya no era capaz de hablar de un acontecimiento, aunque fuera insignificante, perdía poco a poco la sensación de significar algo, de «contar».

Cuando tengo una idea sobre una nueva obra, intento encontrar un lugar adecuado, pero también la ropa, los zapatos y los accesorios que lo acompañan. En el lugar elegido, escenifico toda la situación y luego tomo fotos con la ayuda de un temporizador o recurriendo a un asistente. Uno de los grandes temas de mi obra es la alienación. Elijo cuidadosamente vestidos, bolsos, zapatos del pasado. Con ellos, quiero reforzar el sentimiento de alienación del entorno. Esta lógica es la que sustenta también mi decisión de tejer en lugar de imprimir.

Mis obras son en cierto modo representaciones personales que inmortalizo en foto. En todas mis obras, yo misma soy la modelo. Por supuesto, es práctico, porque yo estoy siempre disponible. Pero para mí, también es una parte esencial del proceso creativo: crear un «mundo» determinado y formar parte de él yo misma en ese momento preciso, para vivir esa situación por un instante.

Cuando consigo una buena imagen, la transformo en motivo de tejido. Con el tejedor, elijo los colores adecuados para los hilos de lana y algodón. Luego se tejen algunas muestras. Basándome en estas muestras, todavía puedo hacer modificaciones y ajustes, tras lo cual se teje el Gobelin final. Dependiendo de la imagen, determino si el Gobelin debe tejerse en color o en blanco/negro/gris. En algunos Gobelins, bordo partes de la imagen para resaltar ciertos elementos y servir de apoyo al tema de la obra.

Adoro la técnica de tejido de los Gobelins y el bordado, porque me encanta el laberinto de hilos de colores que, en su conjunto, forma una imagen. Utilizo el encanto del material para que los espectadores se acerquen hasta darse cuenta de que lo que represento no siempre es tan bonito.

Obra seleccionada:
«Vervlogen (Bygone)», 2018, Artes Decorativas, Gobelin (Tapiz tejido, lana y algodón), 193 x 291 cm (76 x 115 in)

Descripción:
«Este tapiz habla de soltar lastre».

Ludovic Thiriez
Ganador del Luxembourg Art Prize 2018

▸ Ludovic Thiriez nació en 1984 en Francia. Vive en Hungría con su esposa e hijos.

Los artistas que lo inspiran son: Adrian Ghenie, Albert Oehlen, Cecily Brown, Gerhard Richter, Marlene Dumas, Maurizio Cattelan, Michaël Borremans, Neo Rauch y Peter Doig.

Era la primera vez que participaba en el Luxembourg Art Prize.

Gana la cantidad de 25 000 €, abonada en su cuenta bancaria, y las felicitaciones del museo y de los miembros del jurado. Puede hacer uso de este dinero como desee.

Su planteamiento artístico:

La vida es una acumulación de experiencias y sentimientos. Es a partir de esta idea que he encontrado un proceso creativo en mi pintura. La idea es superponer diferentes elementos y estilos para crear un nuevo equilibrio.

Me pasé la infancia soñando. Mis padres siempre me decían que tenía la cabeza en las nubes. Hoy, con cierta retrospectiva, recurro a la imaginación de mi infancia y de los cuentos. Mis inspiraciones vienen a menudo de fotos antiguas o de mis propias instantáneas.

El uso de bordados y animales es muy común en mis pinturas. Los bordados hacen referencia a la transmisión de conocimientos entre generaciones. En Hungría, donde resido, cada región tenía sus propios motivos y su estilo. La calidad de los bordados presentes en una casa destacaba las cualidades y los conocimientos de la mujer. Este conocimiento se transmitía de madre a hija.

Los animales forman parte del imaginario de los niños y están muy presentes en los cuentos. Los utilizo como símbolo narrativo para mis propias historias, a veces se convierten en personajes por derecho propio.

La infancia es un espejo fabuloso de la humanidad, donde encontramos dulzura, juego, violencia, ternura, libertinaje, preguntas, amor, etc. Una materia en estado bruto que el tiempo moldea. El niño se da cuenta poco a poco de su condición de persona con gran pureza e ingenuidad. Este instante es el que trato de capturar en mi trabajo e investigación. Observo esta transición, elijo mis momentos, reubico a mis sujetos para transcribir una sensación. Michaël Borremans, pintor contemporáneo al que admiro, dijo en una de sus exposiciones que cuantas menos explicaciones necesita una pintura, mejor es. Cuando «instalo» diferentes elementos en un lienzo, siempre trato de tener en cuenta esta idea. Es muy difícil y emocionante componer, saber en qué momento termina o continúa la historia. A veces, mis lienzos se cargan de forma natural, a veces quedan muy refinados según la sensación que se desprende de ellos a medida que pinto.

Obra seleccionada:
«Le garçon du voisinage» (El chico del vecindario), Acrílico, tinta, óleo sobre lienzo de lino, 140 x 170 cm

Descripción:
Vemos a un grupo de niños sonriendo y divirtiéndose, se ríen. También está este niño tratado de manera más abstracta: «el vecino», parece estar más en guardia y menos tranquilo. Otro niño señala algo situado fuera del lienzo, algo que también puede haber asustado a los pájaros. Y luego esta línea amarilla, un boceto, una construcción geométrica temporal, que está en medio del pantano como en un sueño, que se escapa y se mueve hacia otra cosa.

Jarik Jongman
Ganador del Luxembourg Art Prize 2017

▸ Jarik Jongman nació en 1962 en Ámsterdam, Países Bajos. Vive y trabaja en Ámsterdam. Los artistas que lo inspiran son Adrian Ghenie, Anselm Kiefer y Peter Doig. Trabaja como camarero.

Segunda candidatura en el Luxembourg Art Prize (2016, 2017)

Gana la cantidad de 25 000 €, abonada en su cuenta bancaria, y las felicitaciones del museo y de los miembros del jurado. Puede hacer uso de este dinero como desee.

En su obra, a lo largo de estos años, el artista ha estado fascinado por los conceptos de fugacidad, ontología, religión e historia. Muchas de sus obras se relacionan con la arquitectura bajo una u otra forma: habitaciones de moteles, salas de espera y edificios en mal estado, a menudo sin presencia humana, que suelen provocar sentimientos de nostalgia y contemplación y que sin duda poseen un toque sobrenatural o de acto prodigioso.

En su último trabajo, destinado específicamente al Luxembourg Art Prize, se centra en lo que él percibe como el principal desarrollo trágico de nuestra época. Como sucede con todos los cambios de paradigma, las bases se han sentado hace varios decenios y asistimos a un desarrollo de un desasosiego cada vez mayor.

La presión socioeconómica, la inmigración, la crisis de los refugiados, el terrorismo internacional y los problemas climáticos causan ansiedad a nivel global. Bajo el sentimiento de temor y de falta de control que ocasionan estos problemas, aflora nuestra sociedad de la posverdad, personificada como ningún otro por Donald Trump, presidente de los Estados Unidos.

El artista recurrió al modernismo o, de manera más concreta, a la arquitectura modernista, como punto de partida de la idea de que representaba un espíritu más bien utópico, que abarcaba visiones ideales de la vida y de la sociedad humana, así como una creencia en el progreso. Al modernismo le preocupaba en particular la aproximación de una nueva forma arquitectónica y de una reforma social, que creaba una sociedad más abierta y transparente que cree en la perfectibilidad humana en un mundo sin Dios.

El fortalecimiento del dominio de José Stalin en la Unión Soviética impulsó al gobierno soviético a rechazar el modernismo en razón de un supuesto elitismo. El gobierno nazi de Alemania consideró que el modernismo era narcisista y absurdo, en el mismo plano que los «judíos» y los «negros». Los nazis expusieron pinturas modernistas junto a obras de enfermos mentales en una exposición titulada «Arte degenerado». Las acusaciones de «formalista» podían acabar con una carrera o provocar consecuencias aún peores. Por esta razón muchos modernistas de la generación de la posguerra consideraron que eran el baluarte más importante contra el totalitarismo, el «canario en la mina de carbón».

Los cuadros presentados por el artista en el Luxembourg Art Prize abordan estas ideas. El objetivo es transmitir una sensación de inminencia, en la que el fuego desempeña un papel importante. El fuego es el antiguo símbolo de la transformación, una constante metafísica del mundo.

Estos edificios y estas mansiones, con un significado más amplio, pasando de la simple funcionalidad a un estado icónico y simbólico, el artista los describe como estructuras sublimes, transcendentes, codiciadas y amenazadas por fuerzas impenetrables y amenazadoras.

El sentimiento de amenaza es palpable; fuerzas impenetrables y amenazadoras invaden este símbolo de modernidad e iluminación.

"It’s Gonna be Great, it’s Gonna be Fantastic" - 2017 - Óleo sobre paneles - 180 x 244 cm

John Haverty
Ganador del Luxembourg Art Prize 2016

▸ John Haverty nació en 1986 en Boston, en los Estados Unidos. Es de nacionalidad americana y vive en Massachusetts, en los Estados Unidos. Se inspira en artistas como Dieric Bouts, Hieronymus Bosch y Salvador Dalí. Trabaja en una compañía aérea.

Gana la cantidad de 25 000 €, abonada en su cuenta bancaria, y las felicitaciones del museo y de los miembros del jurado. Puede hacer uso de este dinero como desee.

Próxima al chamanismo, la pintura de John Haverty encierra una fuerza introspectiva muy visible. "Cada pintura es un viaje personal para mí." Apegado a los álbumes retro de los años 60-80, la cultura del skateboard y la cultura Hot Rod, el artista mezcla sus intereses con sus viajes, "aunque yo prefiero que cada uno contemple mi arte por sí mismo, se forme su propia opinión e incorpore su imaginería a mis obras".
Lunáticos, extraños, mágicos, bellos o feos… Todo depende. Así son los dibujos de John Haverty: "cuando trabajo, me pierdo. Soy como un niño curioso en un país de maravillas psicodélicas". Sus lápices pueden pasar horas en los detalles, en líneas que hipnotizan. Cada línea o punto es importante para él, convirtiendo su trabajo de una pintura compleja. Pero rara vez la idea que lo guía es completa, "cada día es diferente, lo desconocido forma parte del proceso creativo. Como cada día es diferente, cada estado de ánimo es diferente". Más tarde, cuando contempla la pieza terminada, se encuentra con los sentimientos y pensamientos que han surgido durante este viaje: "Tengo fotos que muestran la realidad de mi pasado, pero mis cuadros muestran los sentimientos de mi pasado".
Así es como surgió su proyecto monumental, un cuadro gigante que comenzó en 2013: Gangrene. "Mi arte, como la infección, es algo que sigue creciendo de forma orgánica. Gangrene presenta un festín visual ambiguo, que pone de relieve los problemas embarazosos de la sociedad...".
Gangrene es una obra visualmente violenta que atrapa imperturbablemente. La mayor parte de las pinturas que componen el mural fueron creadas entre los veinte y treinta años –un periodo confuso lleno de frustración para muchas personas–, y sus pinturas transmiten muchos sentimientos. Sin embargo, John Haverty no se considera una persona enojada, las razones de esta violencia tienen otros orígenes: “cuando era adolescente, veía un montón de películas de terror. La emoción de sentir miedo y el amor por los monstruos clásicos, junto con mis viajes, me influyen considerablemente. En Cabo Cod, mi casa de la playa es bastante siniestra, y a veces siento que estoy en presencia de espíritus. Creo que de alguna manera me interesan estos temas."
A través de su monumental obra, el pintor presenta obras inmersivas ante las cuales el espectador se implica tanto física como psicológicamente. "Tengo problemas para explicar mis pinturas con palabras. Para mí, el interés es visual. Mi objetivo es captar la atención del espectador durante más de unos pocos segundos."

Circus”, 2015, serie “Gangrene”, lápiz y acuarela sobre papel, 120 x 120 cm, única

Albert Janzen
Ganador del Luxembourg Art Prize 2015

▹ Albert Janzen, nacido en 1989 en Sibirskij (Rusia) tiene 26 años, es de nacionalidad alemana y vive en Ámsterdam (Holanda). Se inspira en artistas como Gerhard Richter, Cy Twombly, Zao Wou-Ki y Antonio Murado.

Gana la cantidad de 10 000 €, abonada en su cuenta bancaria, y las felicitaciones del museo y de los miembros del jurado. Puede hacer uso de este dinero como desee.

Analizo los aspectos fundamentales de las imágenes, es decir, la línea. Las líneas son las formas más intuitivas de percibir y entender nuestro entorno. La identificación de todas las estructuras visuales está supeditada a la identificación de las líneas. Esta dependencia se debe a la absoluta simplicidad de las líneas: son tan simples, que nada puede ser concebido sin ellas. Todo puede construirse con líneas, pero nada construye las líneas. El único candidato a una estructura subyacente a la línea es el punto, y puesto que los puntos constituyen elementos importantes de mis dibujos, los considero igualmente esenciales. La extrema simplicidad de la línea proporciona una estética independiente. No representa una idea porque no está construida por nada más que por ella misma. Para revelar su poder estético, la línea debe ser su propio referente. Dibujo líneas no para construir algo, sino simplemente para dibujar líneas. Las formas y los motivos que aparecen en mis dibujos tienen como única intención plasmar los movimientos de las líneas. El espectador que observa mis líneas se enfrenta a una entidad independiente.

Albert Janzen

Sin título, 2015. Cinco rotuladores negros sobre pizarra (obra efímera fotografiada antes de su destrucción). Impresión en Forex. Obra única. Edición 1/1. 150 x 200 cm