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Os vencedores do Luxembourg Art Prize

Os três vencedores do Luxembourg Art Prize 2021 são…

Os 3 vencedores da 7ª edição do Luxembourg Art prize são artistas do Brasil, Canadá e Lituânia:

1º prémio: Celina Portella, Brasil
2º prémio: Francis O'Shaughnessy, Canadá
3º prémio: Laisvydė Šalčiūtė, Lituânia.

Juntos, os vencedores partilham a soma de 80.000 € (aproximadamente 100.000 dólares) para gastarem como entenderem e dividida de acordo com a classificação estabelecida pelo júri independente. Ganham 50.000 €, 20.000 € e 10.000 €, respetivamente.

Celina Portella (Brasil), 1ª vencedora do Luxembourg Art Prize 2021

Celina Portella nasceu no Rio de Janeiro no Brasil em 1977. Tem 44 anos em 2021. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Concluiu uma Licenciatura em Artes Plásticas na Universidade de St. Denis/Paris VIII, França e licenciou-se em Design e Comunicação Visual na PUC-RJ, Rio de Janeiro, no Brasil.

Os artistas que a inspiram são Andrea Fraser, Erwin Wurm, Helena Almeida, Yvonne Rainer, Ana Linnemann, Lenora de Barros, Carmela Gross, Trisha Brown, Liliana Porter, Rebecca Horn, Fischli & Weiss, Robert Morris, Richard Sierra e Dennis-Oppenheim.

Ganha a soma de 50.000 € correspondente ao 1º prémio, os parabéns do museu e dos membros do júri. Pode utilizar esse dinheiro como quiser.

«Estou particularmente interessado na investigação interdisciplinar sobre a imagem, o movimento e o corpo. A minha pesquisa reúne elementos de fotografia e vídeo em diferentes meios de comunicação. Nos últimos anos, tenho trabalhado com instalações, em obras que se caracterizam em particular por um questionamento sobre a representação do corpo e a sua relação com o espaço. Na interseção de vários géneros, simultaneamente envolvidos, abordo os mundos da dança, performance, arquitetura, cinema e, mais recentemente, da escultura. O meu trabalho tem uma profunda ligação com o mundo coreográfico, devido à minha experiência profissional com a dança, enquanto bailarina e cocriadora, da qual deriva precisamente o meu interesse pelas ações do corpo e pelos problemas da sua representação.

Após os meus primeiros vídeos, desenvolvi uma investigação aprofundada sobre a projeção do corpo em tamanho real e a sobreposição de imagens, incorporando a materialidade arquitetónica na obra. As projeções conduziram-me a um questionamento específico sobre o suporte do vídeo e da imagem e à exploração de novos médios e tecnologias.

Comecei então a criar uma série de obras onde o corpo aparece na imagem em interação com os limites da sua moldura, incluindo materialmente o mundo dos objetos, ou da escultura, num campo originalmente virtual. Ao propor uma interação entre a expressão corporal e o médio, procuro fazer com que a fotografia e o vídeo sejam elementos estruturais da própria obra, para que o desempenho e o médio combinem, tornando-se indissociáveis.

O foco do meu trabalho converge assim para a fronteira entre a realidade virtual e as ações corporais, numa tentativa de esbater os seus limites e confundir a realidade com o mundo da ficção. Com o artifício do trompe l'oeil e a integração radical dos médios, trabalho no terreno ambíguo entre o material e o imaterial, entre a objetividade do mundo e a ilusão.»

Obra selecionada:
«Corte/1», 2019, Fotografia recortada, 135x95 cm (53x37 in.)

Descrição:
«Na obra "Corte/1", o papel em que a fotografia é impressa é fisicamente recortado de modo a que o corte real corresponda à ação representada na imagem. A obra faz parte de uma série na qual materializo a ação representada nas imagens, nos suportes das obras, na fotografia, no vídeo e na tela. O meu corpo, interagindo com a própria imagem, corta o papel que a materializa, modificando a minha própria representação e criando uma ligação entre a imagem e o material.»

Francis O'Shaughnessy (Canadá), 2º vencedor do Luxembourg Art Prize 2021

Francis O'Shaughnessy nasceu em 1980 em Levis, no Quebec, Canadá. Tem 41 anos em 2021. Vive em Montreal, na província do Quebec, no Canadá. Em 2016, concluiu um doutoramento em estudos e práticas artísticas na Université de Quebec em Montreal (Canadá).

Os artistas que o inspiram são Sally Mann, Alex Timmermans e Borut Peterlin.

Ganha a soma de 20.000 € correspondente ao 2º prémio, os parabéns do museu e dos membros do júri. Pode utilizar esse dinheiro como quiser.

«Devido à pandemia da COVID-19, foi-me difícil continuar a minha pesquisa fotográfica, uma vez que não pude receber modelos para os meus estudos. Tive a ideia de montar uma câmara de fole em frente de um computador para converter representações digitais não publicadas em colódio húmido. Queria revisitar produções anteriores e 'recontextualizar', reinterpretar os meus favoritos. O resultado foi tão interessante que fiz uma série. Desta forma, relacionei processos antigos com a tecnologia atual.

Em contraste com a fotografia digital, o colódio húmido é um processo ancestral que está na origem da fotografia (1851). Em resumo, é uma técnica em que faço um xarope amarelado chamado colódio húmido que revesto numa placa de alumínio. Depois introduzo a placa numa câmara de fole para tirar uma fotografia. Com diferentes componentes químicos, revelo a placa em negativo e depois em positivo. Envernizo a matriz de alumínio para que possa manter a minha impressão intacta durante um século. Finalmente, digitalizo a minha placa para fazer uma tiragem de papel de grande formato.

Utilizando este meio tradicional, questiono a materialidade da imagem ao salientar erros, acidentes, imperfeições e qualidades desfocadas. É o know-how inteiramente manual que me interessa. Preciso dedicar-me a uma arte que estimule os sentidos. Por outras palavras, estou a colocar o humano a favor do imaterial e da máquina (fazendo a pós-produção em frente do meu computador). É uma evolução inversa da massa, porque a minha câmara negra é o meu software de retoque. Gosto de pensar que participo na antiga vanguarda artística, um movimento que apresenta fotógrafos contemporâneos que resistem aos métodos e processos tecnológicos atuais.

Na prática do colódio, não existem momentos decisivos, há apenas tempo. Trata-se de passar rapidamente a "fotografia lenta", porque registo durações em vez de instantes. A escrita do tempo é visível: o colódio que se verteu na placa ou que secou com o tempo. A fotografia lenta significa trabalhar com a lentidão do processo, uma velocidade que é apreciada numa altura em que tudo é uma correria. »

Obra selecionada:
«Plaque 58» (Placa 58), 2020 - Colódio húmido

Descrição:
«Desde 2021, tenho vindo a tentar provocar mais acidentes pictóricos; esta é a minha nova pista na investigação-criação. Foram necessárias mais de 160 placas de colódio húmidas (com e sem sucesso) para perceber como melhorar as texturas formais no meu trabalho. Estas texturas formais assemelham-se por vezes à pintura, ao mesmo tempo que se distanciam parcialmente da descrição da realidade. Desde o início da COVID-19, neste estudo, não pretendo um regresso ao (neo)pictórico; mas uma ideia de pintura contemporânea através de uma fotografia que se abstenha de a copiar. Para conseguir imagens destruturadas, destaco produções que favorecem a loucura e os acidentes do autor para deixar uma forte assinatura visual ao espectador.»

Laisvydė Šalčiūtė (Lituânia), 3º vencedora do Luxembourg Art Prize 2021

Laisvydė Šalčiūtė nasceu em 1964 na Lituânia. Tem 57 anos em 2021. Ela obteve o doutorado em Artes pela Vilnius Academy of Arts (Lituânia) em 2018.

Os artistas que a inspiram são Barbara Kruger, Grayson Perry, John Baldessari, Louise Bourgeois, Neo Rauch, Marcel Dzama e Hernan Bas.

Ganha a soma de 10.000 € correspondente ao 3º prémio, os parabéns do museu e dos membros do júri. Pode utilizar esse dinheiro como quiser.

«As obras apresentadas no Luxembourg Art Prize pertencem à série «Melusine’s Paradise». É um conto visual provocante e divertido para adultos, inspirado nas estatísticas bayesianas. São estatísticas que se baseiam num teorema de probabilidade, que determina a probabilidade segundo a qual apenas uma parte da informação é conhecida quando uma situação é observada. Foi criado um programa informático 'anti-spam' com base no teorema bayesiano.

Poucos contestariam que o PARAÍSO é o lugar mais feliz e amigo do ambiente que possa existir, e que o «spam» é apenas um produto de desperdício que contribui para a atual «poluição da informação». O Spam não é amigo do ambiente. No nosso dia-a-dia, estamos constantemente rodeados de informações e imagens digitais que «contam histórias», transformam ideias em visuais, criam confusão e diluem a informação ao infinito, ao mesmo tempo que elaboram conteúdos emotivos. Vejo este fluxo visual e informativo como não ecológico, e tento opor-me a ele. Por isso desenvolvi uma espécie de método criativo amigo do ambiente: recolho imagens que me interessam e textos aleatórios da Internet, reciclo-os, como se faria com garrafas de plástico, e reescrevo-os alterando o seu contexto e significado através do princípio do paradoxo. Depois utilizo-os novamente para um novo trabalho de criação de um conto de fadas visual para adultos, que apresenta a nossa realidade tal como é construída pela representação. Os contos e histórias são um meio em si mesmos. Desde os primórdios dos tempos, a humanidade tem expressado as suas experiências espirituais e concretas através de contos, uma verdadeira linguagem universal. Também é o que pretendo alcançar com o meu trabalho. A Melusine, a minha anti-heroína fictícia, é uma parte importante da minha obra. Expressa-se de forma irónica e metafórica sobre as relações, o estatuto e o anti-estatuto social da nossa vida contemporânea, do qual também depende, mas também sobre as mistificações teatrais da nossa sociedade consumista e a idiotice tragicómica que delas emerge, motivada pela procura do maior dos valores da nossa sociedade de consumo: uma «vida feliz».»

Obra selecionada:
«The Rape of Europe», 2019 (O rapto da Europa), Gravura sobre madeira, óleo e acrílico sobre tela, 159 x 159 cm (63 x 63 in.)

Descrição:
«A personagem com auréola e olhos iluminados é a minha criação. É inspirada pela Melusine (pronúncia francesa: [melyzin]) ou Melusina, uma figura da mitologia e folclore europeus, e que está presente em todos os meus trabalhos recentes. O método de realização (a técnica) destes trabalhos começa com uma gravura na madeira, cujo desenho é depois transferido para uma tela utilizando uma colher para pincelar cuidadosamente a tinta a óleo à mão, do «desenho» para a tela. Depois da tela secar, termino a pintura à mão. Documentário em vídeo sobre o método: https://youtu.be/wC2iAaOGiVs
Criei esta série de obras envolvendo a minha personagem da Melusine por ocasião do convite recebido pelo Museu do Palácio Ducal em Mântua (Itália) para a exposição «Coming Out» com o escultor italiano Gehard Demetz, em 2019. A minha escolha do suporte artístico para a exposição no Museu do Palácio Ducal não é aleatória: o método que utilizo é demorado e requer muito trabalho manual e paciência. Esta escolha faz parte de um diálogo com os artistas das obras expostas no Palácio original, e com o escultor Gehard Demetz. As obras que criei tendo esta exposição em mente fazem referência às emoções. São (auto) irónicos. É preciso um corpo para sentir as emoções. Foi por isso que usei as minhas mãos como ferramentas para criar estas obras, porque estão intimamente ligadas ao meu cérebro, onde residem as emoções. Esculpi a madeira à mão, porque a árvore de onde ela vem também tem um corpo que pode sentir emoções, esta árvore tem uma história: cresce, desabrocha, muitas coisas acontecem à sua volta e de repente, alguém a corta. Estendo a sua história, por assim dizer, esculpindo-a, e depois pinto numa tela novas histórias sobre as emoções das pessoas modernas.»

Lionel Sabatté, vencedor do Luxembourg Art Prize 2020

Lionel Sabatté nasceu em Toulouse (França) em 1975. Vive e trabalha em Paris (França) e em Los Angeles (Califórnia, EUA). Formou-se na École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (Escola Nacional Superior de Belas-Artes) de Paris em 2003.

Os artistas que o inspiram são: Alberto Giacometti, Pierre Soulages, Thomas Houseago e Paul Rebeyrolle.

Ganha a quantia de 50 mil euros depositados na sua conta bancária e as felicitações do museu e dos membros do júri. É livre para utilizar o dinheiro como quiser.

A esfera do vivo, bem como as transformações da matéria causadas pela passagem do tempo constituem o cerne do trabalho do artista. Há já vários anos que o artista recolhe materiais que carregam as marcas de uma vivência: pó, cinzas, carvão, peles mortas, cepos velhos de árvores... Estes elementos são combinados de forma inesperada e, assim, criam-se obras delicadas, mas também com uma "estranheza perturbadora", dando vida a um bestiário híbrido no qual criaturas das profundezas abissais se aproximam de pequenos pássaros oxidados das ilhas, ursos, lobos, emas, corujas, mas também unicórnios…

Praticando ao mesmo tempo pintura, desenho e escultura, Lionel Sabatté tenta criar um diálogo entre todas as suas obras, numa interligação permanente. As suas pesquisas sobre o mineral, o animal e o orgânico resultam em obras poéticas, sensíveis, inquietantes e que participam numa reflexão global sobre a nossa condição e o lugar que ocupamos no nosso ambiente.

"A reciclagem ativista de Sabatté não é apenas uma preocupação ecológica e ambiental. Podemos arriscar um "salto" salvador. Esta reciclagem testemunha, talvez, um jogo de preocupações pela sobrevivência do vivo, a expetativa de um começo para a esperada fuga de uma condição existencial implacável informulável, agora, nos termos simplesmente "humanistas” do pós-guerra. As recolhas de "cotão" efetuadas na estação de metro Châtelet, em Paris, a recolha de peles mortas nas pedicuras para inserir em sucata, madeira, cimento, árvores mortas, lembram a indústria dos farrapeiros de outrora e a atividade de recolha efetuada por crianças e mulheres que procuram nas pilhas e nas montanhas de lixo das deposições ilegais de resíduos de África e de Ásia algo para consumir, trocar, vender, para sobreviver. O farrapeiro, evocado por Baudelaire, esta "figura mais provocadora da miséria humana", segundo Benjamin, é quem recolhe tudo: "papéis velhos, rolhas, ossos, pedaços de cartão, pregos, vidro partido, gatos e cães mortos atirados para a via pública, em violação das leis, cabelos, ou seja, tudo o que possa ser vendido". Nos amontoados de lixo, desperdícios, resíduos, refugo, Victor Hugo revelou "o prado florido", a erva verde, a vida. As obras de Sabatté percorrem todos estes registos e fazem-nos ouvir, em eco, esta notação de Benjamin comparando o escritor Siegfried Kracauer a esta figura do Lumpemproletariado ("proletariado mais pobre"): "Um farrapeiro, de madrugada – na alvorada do dia da revolução". "É assim que devemos ver este jogo de vaivém entre natureza e cultura que, ao mesmo tempo que aceita abordá-las, se afasta de todas as reflexões sobre este tema central do pensamento ocidental" — Bernard Ceysson, 2019.

Obra selecionada:
“Fortuna vermelha e subcutâneo”, 2019 – Óleo sobre tela. 130 x 130 cm (51 x 51 pol.)

Descrição:
"As minhas telas pintadas a óleo e a acrílico abrem um diálogo com os outros meios nos quais o meu universo plástico demonstra toda a sua riqueza. Utilizo cores que se fundem entre si e atribuo uma importância primordial à dimensão aquosa que confere à obra o seu aspecto orgânico e mineral. Com toques vívidos e contrastantes, faço eco dos traços do tempo, das mudanças naturais perpétuas e do movimento inerente a todas as formas de vida. Se destas pinturas místicas podem surgir motivos, perto de uma estética do caos (na mitologia grega, "Caos" é uma entidade primordial da qual nasce o universo), a imaginação é deixada livre para o espectador que pode descobrir, em cada tela, um olho, um pássaro, uma medusa, uma paisagem vista do céu, ou mesmo o próprio céu."

Jenny Ymker
Vencedora do Luxembourg Art Prize 2019

Jenny Ymker nasceu em 1969 nos Países Baixos. Ela mora em Tilburg, também nos Países Baixos. Frequentou a Constantijn Huygens, Academy of Arts, Kampen (atualmente ArtEZ Zwolle)

Os artistas que a inspiram são: Cindy Sherman, Francesca Woodman, Grayson Perry e Louise Bourgeois.

Foi sua 3ª participação no Luxembourg Art Prize.

Ela recebeu um prêmio de 50.000 € e foi parabenizada por Hervé Lancelin, presidente da Pinacoteca e pelos membros do júri.

“O mundo do imaginário pode parecer mais real que a própria realidade”

Desde 2013, meu trabalho é tecer fotos na forma de tapeçaria de Gobelins. Inicialmente, o termo “Gobelin” só podia ser usado para tapeçarias feitas na manufatura de Gobelins em Paris. Hoje ele é utilizado para falar de tapeçarias em geral. Uso o termo Gobelin porque gosto da sonoridade da palavra, mas principalmente porque tem uma conotação histórica.

Originalmente, os Gobelins se destinavam a isolar as paredes frias dentro dos castelos. Logo, a função decorativa dessas tapeçarias passou a predominar. Tradicionalmente, os Gobelins contam histórias. Utilizo a forma moderna dessa antiga técnica de tecelagem para representar as narrativas atuais.

No meu trabalho, retrato situações para evocar histórias nos espectadores. Sempre tento não ser literal demais, para que os espectadores tenham um espaço para descobrir suas próprias histórias. Acho que a evocação de histórias é importante, pois acredito que a nossa capacidade de contá-las é uma parte essencial do nosso ser. Por muito tempo, trabalhei no setor de saúde. Lá eu entendi que, se uma pessoa não era mais capaz de falar de um acontecimento, ainda que banal, ela perdia gradualmente o sentimento de significar algo, de “contar”.

Quando tenho uma ideia para um novo trabalho, tento encontrar um local adequado, mas também roupas, sapatos e acessórios para combinar. No local, monto o cenário inteiro e depois tiro fotos com a ajuda de um retardador ou o auxílio de um assistente. Um dos principais temas da minha obra é a alienação. Escolho cuidadosamente vestidos, bolsas, calçados do passado. Com eles, quero reforçar a sensação de alienação do ambiente. Também é essa lógica que está por trás da minha decisão de tecer, e não imprimir.

Meus trabalhos são, de certa forma, performances pessoais que imortalizo em foto. Em todas as minhas obras, eu mesma sou a modelo. Evidentemente, é prático porque estou sempre disponível. Mas, para mim, também é um elemento importante do processo de criação: criar um certo “mundo” e eu mesma fazer parte dele naquele exato momento, para viver, por um instante, essa situação.

Quando tiro uma boa foto, transformo-a em estampa de tecelagem. Com o tecelão, escolho as cores dos fios de lã e algodão. Em seguida, algumas amostras são tecidas. Baseando-me nessas amostras, ainda posso fazer alterações e ajustes. Depois, o Gobelin final é tecido. Dependendo da imagem, determino se o Gobelin deverá ser tecido em cores ou preto/branco/cinza. Em alguns Gobelins, costuro partes da imagem para destacar alguns elementos e ressaltar o tema da obra.

Adoro a técnica de tecelagem Gobelin e o bordado, pois gosto do labirinto de fios coloridos que formam juntos uma imagem. Uso o charme do material para que os espectadores se aproximem até perceberem que aquilo que estou retratando nem sempre é muito bonito.

Obra selecionada:
“Vervlogen (Bygone)”, 2018, Artes Decorativas, Gobelin (tapeçaria, lã e algodão), 193 x 291 cm (76 x 115 pol.)

Descrição:
“Esta tapeçaria fala sobre se desprender.”

Ludovic Thiriez
Vencedor do Luxembourg Art Prize 2018

Nascido em 1984 em França, Ludovic Thiriez vive na Hungria com a sua esposa e os seus filhos. É, principalmente, um autodidata, que seguiu um programa de pintura durante 1 ano na Escola de Belas-Artes de Budapeste, na Hungria. Os artistas que o inspiram são: Adrian Ghenie, Albert Oehlen, Cecily Brown, Gerhard Richter, Marlene Dumas, Maurizio Cattelan, Michaël Borremans, Neo Rauch e Peter Doig.

É a sua primeira participação no Luxembourg Art Prize.

Ganha a quantia de 25 mil euros depositados na sua conta bancária e as felicitações do museu e dos membros do júri. É livre para utilizar o dinheiro como quiser.

A sua abordagem artística:

A vida é uma acumulação de experiências e de sentimentos. É a partir daí que encontrei um processo de criação na minha pintura. A ideia consiste em sobrepor elementos e estilos diferentes para criar um novo equilíbrio. Passei a minha infância a sonhar. Os meus pais diziam-me sempre que andava de cabeça nas nuvens. Hoje, com uma perspetiva do passado, recorro ao imaginário da minha infância e dos contos. Inspiro-me sobretudo nas antigas fotografias ou nas minhas próprias fotos.

A utilização de bordados e de animais é bastante comum nos meus quadros. Os bordados referem-se à transmissão dos conhecimentos entre as gerações. Na Hungria, onde estou a residir, cada região possuía os seus padrões e o seu estilo. A qualidade dos bordados presentes numa casa realçava as qualidades e o know-how da mulher. Este know-how era transmitido de mãe para filha.

Os animais fazem parte do imaginário das crianças e estão extremamente presentes nos contos. Utilizo alguns, como símbolo de narração, para as minhas próprias histórias, sendo que se tornam, por vezes, personagens totalmente integradas nelas.

A infância é um espelho magnífico da humanidade, onde encontramos suavidade, brincadeira, violência, ternura, vício, perguntas, amor, etc. Uma matéria em estado bruto que o tempo molda. A criança toma lentamente consciência do seu estado de Homem, com muita pureza e ingenuidade. É esse momento que tento capturar no meu trabalho e na minha pesquisa. Observo esta transição, seleciono os meus instantes, desloco os meus sujeitos para transcrever uma sensação. Michaël Borremans, um pintor contemporâneo que admiro, dizia, numa das suas exposições, que menos uma pintura precisa de explicação, melhor ela é. Quando “instalo” diferentes elementos numa tela, tento sempre levar em conta esta ideia. É, ao mesmo tempo, difícil e apaixonante compor, saber quando a história termina ou continua. Por vezes, as minhas telas acabam por ficarem naturalmente carregadas, e, outra vezes, demasiado simples, em função do sentimento que emana delas, à medida que estou a pintar.

Obra selecionada:
“O rapaz da vizinhança” – (“The boy from the neighborhood”), Acrílico, tinta, óleo sobre tela de linho, 140 x 170 cm

Descrição:
Vemos um grupo de crianças sorrindo e brincando, estão a rir-se. Há também esse pequeno rapaz tratado de forma mais abstrata: “o vizinho”, parece estar mais alerta e menos seguro. Outra criança aponta com o dedo algo que se encontra fora da tela, algo que talvez tenha igualmente assustado os pássaros. E esta linha amarela, um esboço, uma construção geométrica temporária, que se eleva no meio do pântano, tal como num sonho que foge e vai passar para outra coisa.

Jarik Jongman
Vencedor do Luxembourg Art Prize 2017

Jarik Jongman nasceu em 1962, em Amesterdão, nos Países Baixos. Vive e trabalha em Amesterdão. Os artistas nos quais se inspira são Adrian Ghenie, Anselm Kiefer e Peter Doig. É licenciado pela Academia de Artes de Arnhem, nos Países Baixos. Trabalha como empregado de mesa.

2ª candidatura ao Luxembourg Art Prize (2016, 2017)

Ganha a quantia de 25 mil euros depositados na sua conta bancária e as felicitações do museu e dos membros do júri. É livre para utilizar o dinheiro como quiser.

Na sua obra, ao longo de todos estes anos, o artista sempre teve um fascínio pelas noções de fugacidade, ontologia, religião e história. Muitas das suas obras implicam a arquitetura sob uma ou outra forma: quartos de motéis, salas de espera e edifícios degradados, muitas vezes desprovidos de presença humana, que provocam frequentemente sentimentos de nostalgia e contemplação que, sem dúvida, têm um toque de miraculoso ou sobrenatural.

No seu último trabalho, concebido especialmente para o Luxembourg Art Prize, o artista concentra-se naquilo que considera ser o principal desenvolvimento trágico da nossa época. Como para qualquer mudança de paradigma, as bases foram lançadas há várias décadas e nós assistimos a tudo o que acontece cada vez mais confusos.

A pressão socioeconómica, a imigração, a crise dos refugiados, o terrorismo internacional e os problemas climáticos causam ansiedade à escala global. Subjacente ao sentimento de medo e falta de controlo que estes problemas provocam, emerge a sociedade pós-verdade, incarnada como ninguém por Donald Trump, o Presidente dos Estados Unidos.

O artista utilizou o modernismo, mais especificamente a arquitetura modernista, como ponto de partida para a ideia que materializa um espírito mais utópico, com visões idealistas da vida e da sociedade humanas, assim como com uma crença no progresso. O modernismo preocupava-se bastante com a aproximação de uma nova forma de arquitetura e uma reforma social, criando uma sociedade mais aberta e transparente, que acredita no perfeccionismo humano num mundo sem Deus.

A subida ao poder de Joseph Staline levou o governo soviético a rejeitar o modernismo, a pretexto de um pretenso elitismo. O governo Nazi na Alemanha considerou o modernismo narcisista e absurdo, assim como os “Judeus” e os “Negros”. Os nazis expuseram quadros modernistas ao lado de obras de doentes mentais numa exposição intitulada “Arte degenerada”. As acusações de “formalismo” podiam significar o fim de uma carreira ou algo pior. Foi por este motivo que muitos modernistas da geração do pós-guerra sentiram que eram o melhor baluarte contra o totalitarismo: “os canários na mina de carvão”.

Os quadros apresentados pelo artista no Luxembourg Art Prize abordam estas ideias. O objetivo é transmitir um sentimento de iminência, onde o fogo desempenha um papel importante. O fogo é o antigo símbolo da transformação, uma constante metafísica do mundo.

Estes edifícios e cidades cujo significado alargou-se (deixaram de ser espaços simplesmente funcionais e passaram a gozar de um estatuto icónico e simbólico) são retratados pelo artista como estruturas sublimes, transcendentais, cobiçadas e ameaçadas pelas forças impenetráveis e ameaçadoras.

O sentimento de ameaça é palpável; forças impenetráveis e ameaçadoras invadem esse símbolo de modernidade e iluminação.

"It’s Gonna be Great, it’s Gonna be Fantastic" - 2017 - Óleo sobre painéis - 180 x 244 cm

John Haverty
Vencedor do Luxembourg Art Prize 2016

John Haverty nasceu em 1986 em Boston, nos Estados Unidos. Atualmente, vive em Massachusetts nos Estados Unidos. Os artistas que o inspiram são Dieric Bouts, Hieronymus Bosch e Salvador Dalí. Em 2015, completou um Mestrado em Belas Artes, no Savannah College of Art and Design, em Savannah, na Georgia (EUA) e, em 2010, terminou a Licenciatura em Belas Artes na Universidade de Massachusetts em Amherst, nos EUA. Trabalha numa companhia aérea.

Ganha a quantia de 25 mil euros depositados na sua conta bancária e as felicitações do museu e dos membros do júri. É livre para utilizar o dinheiro como quiser.

Próxima do xamanismo, a pintura de John Haverty possui uma força introspetiva extremamente visível. “Para mim, cada quadro é uma viagem pessoal”. Influenciado pelos álbuns retro dos anos 60-80, a cultura do skate e a cultura Hot Rod, o artista combina os seus interesses com as suas viagens, “mas prefiro que cada pessoa olhe para a minha arte de forma independente, desenvolva a sua própria opinião e traga o seu imaginário para as minhas obras”.
Lunáticos, estranhos, feéricos, bonitos ou feios, tudo depende, os desenhos do artista John Haverty são um pouco de tudo “Quando trabalho, perco-me. Sou como uma criança curiosa num país de maravilhas psicadélicas”. Assim, as suas canetas podem passar horas sem fio a trabalhar os detalhes e as linhas que hipnotizam o artista. Cada linha ou ponto é importante para si, o que torna o seu trabalho numa pintura complexa. Contudo, a ideia que o norteia raramente é completa “todos os dias são diferentes, o desconhecido faz parte do processo criativo. Como todos os dias são diferentes, os estados de espírito são diferentes”. Mais tarde, ao contemplar o trabalho acabado, encontra os sentimentos e os pensamentos que o acompanharam durante a viagem: “Tenho fotos que mostram a realidade do meu passado. Mas os meus quadros mostram os sentimentos do meu passado.”
Foi um pouco assim que surgiu o seu projeto monumental, um quadro gigante que iniciou em 2013: Gangrene. “À semelhança de uma infeção, a minha arte é um ser que continua a crescer de forma orgânica. Gangrene apresenta um festim visual ambiguo, que evidencia os problemas que embaraçam a sociedade...”.
Gangrene é uma obra visualmente violenta, que capta logo a atenção. A maioria das pinturas que constituem este fresco foi criada quando o artista estava na casa dos 20 anos, um período perturbador e cheio de frustrações para muitos jovens, e as suas pinturas transmitem bastante esses sentimentos. Todavia, John Haverty não se considera uma pessoa revoltada. Os motivos para esta violência têm outra origem: “Na minha adolescência, via muitos filmes de terror. Os calafrios provocados pelos sustos e o amor pelos monstros clássicos misturaram-se com as minhas viagens e influenciam-me bastante. Em Cape Cod, a minha casa à beira-mar é deveras sinistra. Por vezes, sinto que estou na presença de espíritos. Penso que tudo isso me fascina de certo modo”.
Através do seu trabalho monumental, o pintor apresenta obras imersivas perante as quais o espetador se envolve tanto psicológica como fisicamente. “Tenho dificuldades em explicar as minhas pinturas com recurso às palavras. Para mim, o interesse é visual. O meu objetivo é captar a atenção do espetador durante mais do que alguns segundos”.

Circus”, 2015, Série “Gangrene”, Caneta e aguarela sobre papel, 120 x 120 cm, único

Albert Janzen
Vencedor do Luxembourg Art Prize 2015

Albert Janzen nasceu em 1989, em Sibirskij, na Rússia. Tem 26 anos. De nacionalidade alemã, vive atualmente em Amesterdão, nos Países-Baixos. Os artistas que o inspiram são Gerhard Richter, Cy Twombly, Zao Wou-Ki e Antonio Murado.

Ganha a quantia de 10 mil euros depositados na sua conta bancária e as felicitações do museu e dos membros do júri. É livre para utilizar o dinheiro como quiser.

Eu foco-me nos aspetos fundamentais das imagens, ou seja, as linhas. As linhas são os meios mais intuitivos para perceber e compreender o nosso ambiente. O reconhecimento das estruturas visuais depende do reconhecimento das linhas. Tal dependência decorre da pura simplicidade das linhas. São de tal forma simples que nada pode ser concebido sem as mesmas. Tudo pode ser construído com linhas, mas nada pode ser construído sem linhas. O único candidato a uma estrutura subjacente à linha é o ponto. Contudo, como os pontos são elementos importantes dos meus desenhos, considero-os igualmente fundamentais. A extrema simplicidade da linha fornece uma estética independente. Ela não representa uma ideia porque não é construída por nada mais do que ela própria. A fim de revelar o seu poder estético, a linha precisa de ser a sua própria referência. Desenho linhas não para construir alguma coisa, mas simplesmente para desenhar as linhas. As formas e os motivos que surgem nos meus desenhos servem meramente para revelar os movimentos das linhas. As pessoas que observam as minhas linhas deparam-se com uma entidade independente.

Albert Janzen

Sem título, 2015. Cinco feltros negros sobre um quadro branco (obra efémera fotografada antes da destruição). Impressão em Forex. Obra única. Edição 1/1. 150 x 200 cm

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