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“盧森堡藝術獎”的獲獎者
2023 年卢森堡艺术奖的三位获奖者分别是……
第9届卢森堡艺术奖的获奖者来自日本、法国和德国：
一等奖：关根直子（Naoko Sekine），日本
二等奖：Fred Kleinberg，法国
三等奖：Ulla Hase，德国和比利时
获奖者共同分享2023年度预定的奖金总额。这笔金额为35,000欧元（约合38,000美元），由他们按照独立评审团确定的排名分配。他们分别赢得20,000欧元、10,000欧元和5,000欧元。
关根直子（Naoko Sekine），2023年卢森堡艺术奖第一获奖者
▸ 直子关根（Naoko Sekine）1977年出生于日本东京。2023年她46岁。她现居并在日本千叶工作。
启发她的艺术家包括Cy Twombly, Gerhard Richter, James Turrell, Jasper Johns, Mark Rothko, Piet Mondrian, Sol LeWitt, 松谷武定（具体艺术团体成员）, 须贺喜代志（物派成员）, El Anatsui和Steve Reich。
她赢得了20,000欧元的第一名奖金，以及博物馆和评审团成员的祝贺。她可以自由地使用这笔钱。
"我长时间思考着风景，将其视为有影响力的实体，而不仅仅是空间的延伸。我们现代世界由人类塑造，充满了有意图的图像和空间。风景首先在思维中诞生，受到建筑和线条的影响。它们融合了内外因素，连接了意识和环境。我的创作探索了这种复杂的关系，通过绘制感官体验，试图通过意识和结构扩展绘画的意义。我的艺术概念灵感来自日本的文乐木偶和史蒂夫·赖希（Steve Reich）的音乐，创造了独立元素的网络，以形成一幅图像。这个过程还受到我在法国的史前洞穴参观的启发。今天，我在寻找更抽象的创作主题，探索潜在的结构，并开拓新的视觉角度。我的最新作品灵感来自纽约，我发现城市风景可以简化为线条和颜色，勾勒出一种隐藏的丰富性。我的“镜面绘画”系列将绘画、灰泥和陶瓷融合在一起，创造出引人注目的反射表面，反映了环境和观众的感知。我还计划在未来探索彩色镜面作品。"
精选作品：
《镜中之画 - 直线与怀旧》（2022年，铅笔和水粉画于木板，294.5 x 294.5 厘米，116 x 116 英寸）
描述：
在我2017年访问美国时，我受到了纽约城市风景的启发，创作了这幅作品，认为蒙德里安的构图实际上是风景。美国城市的风景以直线和理性轨迹为特点，营造出线性的感觉，远离了欧洲和日本的城市风景，它们有着历史的层次和有意识的深度。这种感觉转化为简化的元素，令人联想到蒙德里安的作品，由白色表面、黑色线条和原色组成。蒙德里安甚至在某些作品的标题中包含了“纽约”一词，也许是对线性元素的一种怀旧。
这幅作品由九块不同尺寸的面板组成，形成了实际物理线条，也是画中的线条。蒙德里安的画作和纽约的风景记忆塑造了这个构图。线条用铅笔绘制，然后用陶瓷抛光，创造出一个反射环境和清晰绘图线条的反射表面。这种效果产生了一个与构图交织在一起的幽灵般的图像。
这件作品是“镜中之画”系列的一部分。面板经过石膏处理，然后涂上水粉层，再加上铅笔绘图。通过用陶瓷抛光，表面变得闪亮，反射光线、观众和环境的移动。从不同角度观看，它甚至可能呈现出金属质感。作品中有色彩的点缀，逐渐浮现并与图像的彩色反射和模糊相融合。
我计划未来进一步探索带有彩色镜子的作品。
Fred Kleinberg，2023年卢森堡艺术奖第二获奖者
▸ 弗雷德·克莱因伯格于1966年出生于法国巴黎。到2023年他57岁。他在法国巴黎生活和工作。
激发他灵感的艺术家有安塞尔姆·基弗、卡拉瓦乔、迭戈·委拉斯开斯、弗朗西斯科·何塞·德·戈雅、乔治·巴泽利茨、米盖尔·巴塞洛和奥斯卡·科科施卡。
他赢得了相当于第二名的10000欧元奖金，以及博物馆和评审团成员的祝贺。他可以随意使用这笔钱。
"三十年来，我一直在绘画和素描中培养一种具象艺术，并在世界各地展出。我对社会现象感到好奇，我审视个人对我们状况的影响。我的旅行滋养了我的思考和创造力，以主题系列的形式进行结构化。"奥德赛"（2016/2017）探讨了流放和移民，基于在难民营中的经验。"我们可以成为英雄"（2019-2021）通过一系列鼓舞人心的肖像画质疑了英雄主义。最后，"红色情境"（2022/2023）关注内外界之间的界限，以封锁背景下的城市化和孤立为背景，以红色为主要色彩，富有象征意义。"
精选作品：
《火星》，2023年，油画布面，130 x 197厘米 (51 x 78英寸)
描述：
题为“火星”的这幅画布是2023年的油画作品，是我探索模糊性主题和内外界限的新系列的一部分。这个系列展示了后现代元叙事中的城市性和孤立感，受到COVID-19疫情期间隔离各方面影响。
这幅画作，如同整个系列一样，被红色所渗透，红色在其中占据了核心位置。在西方，红色是人类首先掌握的颜色，使其成为一种象征性的色彩，富含物质、社会、艺术、梦幻及象征性的含义。
火星因其在天空中的红橙色调，常被昵称为“红色星球”。这种颜色促使古希腊人和罗马人以他们的战神之名来命名它，因其与红色的相似性，从而建立了一种历史和文化上的联系，这一联系一直持续至今。
Ulla Hase，2023年卢森堡艺术奖第三获奖者
▸ 乌拉·哈塞于1966年出生于德国基尔。2023年她57岁。她现居并在比利时布鲁塞尔工作。
激励她的艺术家包括阿格尼丝·马丁和安妮·阿尔伯斯。
她赢得了5,000欧元，相当于第三名的奖金，以及博物馆和评审团成员的祝贺。她可以随意使用这笔钱。
"我的艺术作品是材料、思考和行动融合的结果，探索它们的本质和强度。通过纸上的线条，我将过去与现在联系起来，改变了我的感知。我的艺术存在于积极的动作和不断演变的材料中，这是一种涉及整个身体的冥想。我选择的作品，“无题”（2019年），是这种透明而复杂编织的例子，用Pilot G-2笔在Arches亚光纸上制作，木制框架并涂成白色。"
"无题"，2019年，Arches绸缎上的Pilot蓝色滚珠笔G-2，114.5 x 125.7 厘米（45 x 50 英寸）。
2022 年卢森堡艺术奖的三位获奖者分别是……
第八届卢森堡艺术奖的获奖者分别是来自法国、土耳其、德、西班牙的艺术家：
一等奖：Ilann Vogt, 法国
二等奖：Sema Maskili, 土耳其
三等奖：Evelyn Hellenschmidt, 德国 & 西班牙
三位获奖者将共同分享2022年的计划奖金。三位获奖选手将共同分享 80.000€（约合 83,000 美金）的奖金，奖金数额则根据独立评审团所评定的排名先后而定，获奖者可随意支配所得奖金。他们将可分别获得50.000€、 20.000€ 及10.000€的奖金。
Ilann Vogt (法国), 2022 年卢森堡艺术奖一等奖获得者
▸ Ilann Vogt 于1986年出生于法国的坎佩尔。现年36岁。他在法国康卡勒生活和工作。
给予其灵感创作的艺术家包括：Anselm Kiefer、 Roman Opałka、 Anni Albers、 El Anatsui、 Pénélope d'Ithaque 以及 J L Borges。
其将获得一等奖奖金50.000€以及博物馆及评审团所有成员的祝贺。他本人可随意支配使用这笔奖金。
“日复一日，我将剪成条状的文字组合在一起，根据织品的长度，做成各种大小的纸质编织品。从阿瑟·兰波的《永恒》到马塞尔·普鲁斯特的《追忆似水流年》，其中还不乏荷马的《奥德赛》以及弗兰兹·卡夫卡的《变形记》，我的作品涵盖世界文学史，从而形成了一个理想的世界、人文主义图书馆，其中文字与图像息息相关。在我几近苦行僧的艺术创作中，我只身一人面对我工作室的所有书籍，在将这些文字转变成具有抽象概念的符号画布的同时，还赋予其直接的普及性。
由于思绪一直被佩内洛普、神奇仙境及多贡的宇宙起源说所萦绕，我用手一根一根的拼出可以成为情节、时间且看得见的纹理与材质，而心中也念念不忘：一副作品的付出也是生命的付出，世间有多少书，我就能创作出多少作品，想象力更是得以无限倍增。”
参选作品：
《赞美诗》，2021。剪纸和编纸，650 x 950 cm (256 x 374 in.)。
作品介绍：
在我所呈现的作品中，我不再只是选取整片文章，我会因此与“一篇文章、一副作品”做个了断。我只会使用文字内容的部分摘录，这可能会是任何一种语言，然后我会将他们相互交叉、相互连接，然后组成一副体现现实、过往文明的纸质画作。凭借这副巨型画作，我几乎达到了保罗·委罗内塞 (Paul Veronese) 于 1563 年创作并于巴黎卢浮宫博物馆展出的画作——《迦拿的婚礼》的尺寸。
Sema Maskili (土耳其), 2022 年卢森堡艺术奖三等奖获得者
▸ Sema Maskili 于1980 年在土耳其的埃迪尔内出生。她现年42岁。她现于土耳其的伊斯坦布尔生活和工作。
给予其灵感创作的艺术家包括：Francis Bacon、 Lucian Freud、 Max Ernst 以及 Michelangelo Buonarroti。
她将获得二等奖奖金20.000€以及博物馆及评审团所有成员的祝贺。她可随意支配使用这笔奖金。
“我的作品与原始、野蛮人性的概念息息相关。即使人类早已文明开化，但在人类内心某个地方仍然存在一种侵略性的需求。
在我画人像的时候，我会专注于他内在的暴力，并创造出动物般相互碰撞的肢体组合、相互交织的解剖结构以及一些破碎变形的身体部分。
我将人类作为一个介于道德价值和动物本能之间的“桎梏体”，我质疑人性的复杂。
在我的一些作品中，我希望把这些躯体表现成那些被扔进未知世界的生命。我将他们置于一个被我视为抽象玄奥的空间之中，同时，我又试图为这个空间带来一种全新的方式。
2017年，我着手创作一系列被我称之为“驱动怪兽的力量”的画作。这一系列的出发点则是基于一个实体无法接受第二个实体的理念。
完全在对它进行创作、反思及阅读的过程中，我偶然看到了尼采关于“权力意志”的著作。我一直问自己什么是“力量”，然后会从一个概念开始继续我的创作。”
参选作品：
« Mob Psychology », 2022 (« 群体心理学 », 2022年)。油画。110 x 85 cm.(43 x 34 in.)
作品介绍：
“在这幅作品之中，我集中表现出在群体效应下我们会做出的更为激烈的本能反应以及在整个人类历史进程中所出现的，至今依然存在，有时甚至会在一些不发达群体中导致无辜伤亡的‘帮派心理’现象。
这是一幅批判以多欺少以及各类宗派思想的作品。”
Evelyn Hellenschmidt (德国 & 西班牙), 2022 年卢森堡艺术奖三等奖获得者
▹ Evelyn Hellenschmidt 于1962 年出生于德国埃尔特维尔。她现年60岁。她现于西班牙马德里附近生活和工作。
给予她艺术灵感的艺术家分别有：Caspar David Friedrich、 Rembrandt Harmenszoon van Rijn、 Gaspar-Pieter Verbruggen El Viejo、 Cristian Coclers 以及 Willem Garbon。
她将获得三等奖奖金10.000€ 以及博物馆及评审团所有成员的祝贺。她可随意支配使用这笔奖金。
“我所知道的，自打童年开始首次接触雕塑，还是在我祖父 Emil Franke 的工作室里。我的学习有些异乎寻常。我都是从街头小巷中学到的。
很小的时候，我就经常光顾其他艺术家、陶艺家以及雕塑家的工作室。其中有一年的时间我在一家锻造厂工作，我在马德里的一家锻造厂学习锻造术。随后，我在马德里的国际摄影、电影学院（EFTI）学习。2011年，年过49岁的我获得了美国 Pollock-Krasner 奖学金。
我的作品是一段亲密、细致、自我且恍惚不定的演说。我一直在竭力寻找极简的结构、几何的纯度以及图标的轻盈简洁。我探究存在的循环性、对熟悉事物的需求，总之，我会将团聚视为一种独特、真正的相遇方式。”
参选作品：
« Barcas de posibilidades o barcas del hambre », 2008年 (« 可能之船或饥饿之船 »)。黄铜、铜和青铜雕塑 焊接及镀铬。不同规格尺寸。
作品介绍：
“摩洛哥与西班牙之间的非法移民是这幅作品的灵感之源。标题暗指那些必须通过海上跨越两大洲边界，从而实现没有饥饿，没有剥夺生活权力的那一类人群的悲惨处境。有时，他们会在无人区、非人道的条件下，等待数月，甚至好几年，只为能进入一片‘光明’大地。但很少有人能走得下去，很多人在尝试中丧身，或是被驱逐回原籍地。
我生活在西班牙南部的加的斯海岸，天气不好的时候，数十艘遇难船只会被冲到非洲船只墓地。这种“安置”讲述了人类繁荣的可能性，完全取决于他们的出生之地。”
2021 年卢森堡艺术奖三位获奖者分别是……
第七届卢森堡艺术奖的 3 位获奖者是分别来自巴西、加拿大和立陶宛的艺术家：
一等奖：Celina Portella, 巴西
二等奖：Francis O'Shaughnessy, 加拿大
三等奖：Laisvydė Šalčiūtė, 立陶宛。
三位获奖选手将共同分享 80.000€（约合 100,000 美元）的奖金，奖金数额则根据独立评审团所确定的排名先后而定，获奖者可随意支配所有所得奖金。其可分别获得50.000€、 20.000€ 及10.000€奖金。
Celina Portella (巴西), 2021 年卢森堡艺术奖一等奖获得者
▸ Celina Portella 于1977年出生于巴西里约热内卢。现年44岁。她在里约热内卢生活和工作。
为她带来设计灵感的艺术家分别有：Andrea Fraser、Erwin Wurm、Helena Almeida、 Yvonne Rainer、Ana Linnemann、Lenora de Barros、 Carmela Gross、Trisha Brown、Liliana Porter、 Rebecca Horn、 Fischli & Weiss、 Robert Morris、 Richard Sierra 以及Dennis-Oppenheim。
她将获得一等奖奖金50.000€，以及博物馆及评审团所有成员的祝贺。她可随意支配使用这笔奖金。
“我对图像、运动和身体的跨学科研究特别感兴趣。我的研究将各类不同载体上的图片和视频元素相关联。近几年，我主要从事一些作品的组装，这类作品最大的特点就是对身体和空间所展现出的两者之间关系的质疑。在同时相互关联的各种不同类型的交叉点，我还接触到舞蹈、表演、建筑、电影以及最近的雕塑世界。
出于我在舞蹈方面作为舞者和协同编舞人所拥有的专业经验，我的创作和编舞世界有着深厚的联系，正是源于这一经验，才让我对身体动作以及表现问题产生了浓厚兴趣。
在我首个视频之后，我对真人大小的形体投影以及叠加图像进行了深入研究，同时将建筑的物质性融入到我的作品之中。这些投射出的画面让我对视频与图像载体提出了特别疑问，并带我探寻全新媒体和技术。
于是，我开始创作一系列展现形体与自身框架局限相互互动的图像作品，并在原本虚拟的视野中添加物体或雕塑世界。在所形成的身体表达与中间媒介之间的互动之中，我力图对作品本身中结构性元素进行拍摄并录制成视频，从而令身体表现与媒介相融合且不可分割。
所以，我的作品中心点主要集中在虚拟现实和躯体动作之间的局限，并试图模糊两者之间的界限，并将现实与虚幻世界相混淆。出于错视艺术的技巧以及中间媒介的完全融合，我在物质与非物质、世界的客观性与幻觉之间的模糊地带上进行创作。"
参选作品：
« Corte/1 » (剪拼/1), 2019, 剪拼摄影 135x95 厘米 (53x37 英尺)
作品介绍：
" 在作品 "Corte/1"中，打印图片所用的纸张已经物理切割，从而使实际切割与图片中所呈现的动作相一致。所选作品是我创作系列中的一个部分，在这一系列中，我将图像、作品载体、图片、视频及画布中所呈现的动作全部具体化。我的身体在与图像本身的互动中，剪下呈现图像的纸张，在修改自身表现方式的同时，也在图像和材料之间形成一种联系。“
Francis O'Shaughnessy (加拿大), 2021年卢森堡艺术奖二等奖获得者
▸ Francis O'Shaughnessy 于1980年出生于加拿大魁北克省的莱维市。现年41岁。现居于加拿大魁北克省的蒙特利尔市。
激发其艺术灵感的艺术家，分别有: Sally Mann、Alex Timmermans 以及 Borut Peterlin.
他将获得二等奖奖金20.000€，以及博物馆及评审团所有成员的祝贺。他可随意支配使用这笔奖金。
“COVID-19 新冠疫情期间，我很难继续我的摄影研究，因为无法收到用于研究的模型。于是我就萌生在电脑前安装一个折叠相机的想法，从而将全新的数码表象转换成湿火棉胶。我想再度创作以往的产品并”重新语境化“，重新诠释我的心动之物。结果表明这一切非常有趣，所以我做了一个系列。以此，我用现今的科技手法加固了古老技艺。
与数码摄像不同的是，作为摄影技法前身的湿版火棉胶则是一种古法工艺。简而言之，在这一工艺手法中，我会制作一种被称之为湿法火棉胶的黄色溶液，并将其涂抹于铝板上。 随后我会将铝板放入折叠相机中进行拍摄。通过不同化学成分的相互作用，我先取铝板负像再取正像。我会为铝板模具涂上清漆，从而令其在一个世纪间都能完好无损地予以保存。最后，我会扫描印版，以便打印出大幅纸质图像。“
通过这一传统媒介，并在突出错误、事故、缺陷及模糊性质的同时质疑图像的真实存在。我所感兴趣的正是这种完全手工的传承技艺。我需要将自己投入到一种能刺激感官的艺术之中。换句话说，我将人类用于非物质和机器（在我的电脑前进行后期制作）。这是一种反向发展，因为我的小黑屋就是我的剪辑软件。我乐于将自己视为古代前卫艺术的参与者，这一运动将突显那些反对现行技术方法和工艺的当代摄影师。
在火棉胶的操作中，没有决定性的时刻，一切完全取决于时间。这就好似”慢速摄影“，因为我在记录时间而非瞬间。时间的书写是肉眼可见的：火棉胶在铝板上流动并随着时间的推移渐渐风干。慢速摄影是要以缓慢的节奏进行处理，这一速度在一切皆为飞速的时代更受青睐。”
参选作品：
« Plaque 58 » 2020 - 湿火胶棉摄影
作品介绍：
“自2021年以来，我一直尝试制作一些具有绘画性质的意外事故，这是我研究创作的新思路。我差不多制作了160多个湿火棉胶板（有成功，也有失败），以此来了解如何在我的作品中增强形式上的质感。这些形式上的质感在某些地方类似于绘画，同时又能部分远离对现实的描述。自 COVID-19 新冠疫情之初，在我的研究中，我从未试图寻求回归新拟画摄影艺术思潮，而是想要通过不予复制的图片来创作当代绘画作品。为能获得醒目的图像效果，我会突出体现一些疯狂或作者意外的创作作品，从而为观众留下强有力的视觉签名。”
Laisvydė Šalčiūtė (巴西), 2021 年卢森堡艺术奖三等奖获得者
▸ Laisvydė Šalčiūtė 于1964年出生于立陶宛其现年57岁。
为她带来艺术灵感的艺术家分别有：Barbara Kruger、 Grayson Perry、John Baldessari、 Louise Bourgeois、 Neo Rauch、Marcel Dzama 以及 Hernan Bas。
她将获得三等奖奖金10.000€ 以及博物馆及评审团所有成员的祝贺。她可随意支配使用这笔奖金。
“此次提请参加卢森堡艺术奖大赛的作品原属‘Melusine’s Paradise’系列。“作品创作灵感源自贝叶斯统计数据，其为一个既具挑衅性又十分有趣的成人视觉故事。这一系列作品基于一个概率定理，该定理将确定在观察环境下，仅获取部分信息的概率。”反垃圾邮件“计算机程序则根据贝叶斯定理创建。
几乎鲜少有人会质疑‘天堂’是最幸福、环保的地方，而“垃圾邮件”只是现今造成“信息污染”的垃圾。垃圾邮件并不环保。在我们的日常生活中，数字信息和图像始终围绕在我们的四周，为我们“讲述故事”，将想法转化为视觉，产生混淆，将信息稀释成无穷尽，同时将一起倾注在催人泪目的内容之中。我会去感知这些并不环保的视觉信息流，并试图予以反抗。这也正是为何我会开发出一种‘环保型’创意方法的初衷：在我的创作中，我会收集一些我感兴趣的图像以及互联网上一些随机文本，我将它们再回收，就像我们处理塑料瓶一样，我再利用悖论原理，变动上下文意和它们的含义来进行重写。然后我会在新作品中再度使用它们，从而为成年人创造一个视觉童话，展现出一个表征构建的真实社会。这些童话与故事本身就是一种媒介。自古以来，人类就通过真正的通用语言——童话来阐述其具体的精神经验。这也正是我想通过我的作品所能获得的结果。我虚构故事中的反女主会大量出现在我的作品之中。她以讽刺、隐喻的表现手法表达其所赖以生存的我们当代生活中的关系、地位以及反社会地位，同时也表现了我们所处的消费社会的戏剧神秘性以及由此而产生的悲剧性痴愚，以追求我们消费社会的最大价值为动力：‘幸福生活、“
参选作品：
« The Rape of Europe », 2019 (« 欧洲的劫持 »), 木刻、帆布油画、丙烯画, 159 x 159 厘米(63 x 63 英寸。)
作品介绍：
“眼中闪烁光芒、自带光环的人物均是我的创意之作。其创作灵感源自 Mélusine (法语发音 : [melyzin]) 或 Melusina, 一个欧洲神话和民间传说中的人，被运用在我近期的所有作品之中。这些作品的制作方法（技法）始于木刻，然后用匙勺将木刻图案转移至画布之上，手工操作匙勺可以非常细致地将’绘制‘油画’刷至画布之上。画布风干后，我再手工完成油画。制作方法视频记录片：https://youtu.be/wC2iAaOGiVs
2019年我应意大利曼图亚公爵宫博物馆之邀，与意大利雕塑家Gehard Demetz 共同参加’Coming Out‘展览，为此特别创作了含有我个人创作人物 Melusine 的一系列艺术作品。我为公爵宫博物馆展览所选择的艺术载体绝非偶然：我所使用的方法非常耗时，且需要大量的手工制作和耐心。这一选择被融入原宫殿参展艺术家以及与雕塑家 Gehard Demetz 之间的对话。为这次展览所创作的作品关乎情感。他们具有（自我）嘲讽性。所有这些情感需要肉体来加以感知。这也正是我为何使用双手作为工具来创作这些作品的原因。因为他们与我的大脑紧密相连，而大脑则是我的情感所依。我手工篆刻木料，因为树木同样拥有可以感知情感的躯干，这颗有故事的大树：它不断生长、发芽，在其周围发生很多事情，突然间，有人将其砍断。在某种程度上，我通过雕刻来延申它的故事，然后我在画布上描绘有关现代人情感的新故事。“
Lionel Sabatté，2020年度卢森堡艺术奖（Luxembourg Art Prize）获奖者
▸ Lionel Sabatté，1975年出生于图卢兹（法国），相继在巴黎（法国）和洛杉矶（美国加州）生活工作。
对其产生过影响的艺术家包括：阿尔伯托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti）、皮埃尔·苏拉热（Pierre Soulages）、托马斯·胡西亚戈（Thomas Houseago）和保罗·雷贝罗（Paul Rebeyrolle）。
此次获奖，他将收获5万欧元奖金的现金转账以及来自卢森堡美术馆和评委会成员的祝贺。奖金可由艺术家自由支配使用。
生者的生活半径以及物质随时间流逝发生的变化是艺术家的关注重点，数年来他致力于收集各种携带生存印迹的材料，包括：灰尘、灰烬、木炭、死皮、树根……他将这些元素以意想不到的方式组合在一起，由此创作出的作品既有一种精致细腻，亦包含一种“令人不安的奇异感”，它打造出一个混合的动物世界，在这里既有深不可测的生物，也有经过氧化处理的小鸟、熊、狼、鸸鹋、猫头鹰以及独角兽……
Lionel Sabatté的创作形式包括绘画、素描和雕塑，他致力于贯通所有作品，在作品之间缔造永恒的联结。艺术家对矿物质、动物以及各种有机物展开研究，进行诗性、敏感和引发不安的创作，对我们的生存环境以及我们在环境中所处的位置进行整体反思。
“Sabatté的激进回收举措不止出于生态环保之意。我们可以将其视为一种拯救式的‘跳跃’。这种回收行为或许代表了一场关乎往生者死后存在的焦虑游戏、一种对产生突变以逃脱无法回避的存在主义困境的期待，这些困境在战后的‘人文主义’语境里无以名状。他在巴黎夏特莱地铁站收集‘絮状灰尘’，在足部美容师处收集死皮、将其置于废铁、木材、水泥和枯树之中，这让人回想起昔日的拾荒业，以及妇女孩童在亚洲和非洲的野生垃圾场堆积如山的垃圾中搜寻任何可用于消费、交换、销售以及生存的物品。这就是波德莱尔提到的拾荒者，也即本雅明口中‘最易提示人类痛苦的人群’，他们收集一切可收集之物：‘废纸、塞子、骨头、纸盒碎屑、钉子、碎玻璃、扔在马路上的猫狗以及非法收集的头发，总而言之一切可以销售之物’。在垃圾、废品、残渣和废物堆之中，维克多·雨果发现了“花的草原”、绿色植物以及生命。Sabatté的作品从所有这些语词中走过，并反过来让我们审视本雅明的名言：“一位清晨的拾荒者 —— 在革命之日的拂晓之时“，他以此将作家齐格弗里德·克拉考尔（Siegfried Kracauer）形容为一个流氓无产阶级人物形象（“衣衫褴褛的无产阶级”）。我们需要这样看待自然和文化之间的这种穿梭游戏，在接纳的同时，意识到它脱离了针对这一西方思想中的核心主题的所有反思。 ——Bernard Ceysson ，2019。
所选作品：
《红色的皮下财富》，2019年-布面油画。130x130cm (51 x 51 in.)
作品描述：
“我创作的油画和丙烯画和其他媒介进行对话，我的装置艺术正是从中汲取所有养分。我采用混合而成的色彩，我很重视水介质，它为作品富于了有机和矿物的质感。我通过鲜活和对比强烈的笔触致敬时间的流逝、自然的恒常变化以及世间万物固有的运动发展。尽管这些近似混乱美学（在希腊神话里，“混乱”是让宇宙诞生的一个重要实体）的神秘绘画有其主题，观众依然大可以自由想象，从每幅画里看出一只眼睛、一只鸟、一只水母、一幅鸟瞰的风景抑或是天空本身。”
Jenny Ymker
2019 年 Luxembourg Art Prize 获奖者
▸ Jenny Ymker 1969年出生于荷兰。现居住在荷兰蒂尔堡。
给予其艺术灵感的艺术家有：Cindy Sherman、 Francesca Woodman、 Grayson Perry、 Louise Bourgeois。
这已是她第三次参加卢森堡艺术奖大赛。
她收到了50.000 €的奖金以及作为评审团及公众成员，Pinacothèque美术馆董事长Hervé Lancelin先生的祝贺。
“假象世界可能比现实本身更为真切”
自2013年以来，我的工作内容就是利用戈布兰挂毯织艺手法编织照片。
起初，“戈布兰”一词仅限用于巴黎戈布兰工厂制造的挂毯。如今，这一术语通常用来指代编织挂毯。我选择使用“戈布兰”一词是因为我很喜欢这个词的发音，特别是因为它具有一定的历史内涵。
最初，戈布兰挂毯用来阻隔城堡内部的冷墙墙面。然而不久以后，此类挂毯的装饰性功能就占据了重要地位。传统意义上来说，戈布兰挂毯讲述着古往今来的历史。我使用这一古老技艺的现代表现形式来叙述今日的故事。
在我的作品中，我所描绘的情景是为了能唤起观者的故事。我尝试不要让自己太过拘泥，从而为观众带来可以发掘自身故事的想象空间。我觉得回忆往事十分重要，因为在我看来，我们讲述往昔的能力也是我们之所以存在的一个重要部分。我曾在卫生部门工作过很长时间。在那里，我明白了一件事情，就是但凡一个人再不能讲述一件事情，甚至一件琐事，他就会渐渐丧失表达一些事物，计数的感觉。
当我有想法创作一件新作品的时候，我会试着找出合适的定位，也会找出与之相符的衣服、鞋子与配饰。
如果本人在场的话，我会导演整个场景，然后借用慢拍功能拍摄照片，或请助理帮忙。
在我作品之中一个重要的主题就是异化。我会精心挑选一些老式的裙子、包包、鞋子。有了这些，我就可以刻意加强环境异化的感觉。
也正是出于这一逻辑，所以我才决定使用编织技艺而不是简单的打印。
我的作品在某种程度上是一些个人的表现，我会用照片的形式将其记录下来。
在我所有的作品之中，我自己就是模型。当然，这很实用，因为我总是有空。但对我来说，这也是创作过程中至关重要的要素：创造某种“世界”，让自己就存在于某一个特定的时刻，感受片刻的停留。
一旦我拍到满意的照片，我就用编织的方式来塑造我的作品。利用编织机，我可以挑选合适的羊毛、棉线颜色。随后，会编织出几个小样。然后根据这些小样，我可以再做修改、调整，之后就可编织成终版的戈布兰挂毯。
根据图片，我再决定挂毯是编成彩色或是黑/灰/白色。有些戈布兰挂毯，我会随后手绣一部分图片内容，从而突显作品主题中的某些元素。
我特别喜欢戈布兰编织技艺和刺绣，因为我钟爱这些多彩丝线的迷宫，所有织线再一起可以形成一个图形。
我借用这一材质的魅力，目的就是能让观众近距离感受到，所有我呈现的并非总是如此美丽。
«Vervlogen (往昔)», 2018, 装饰艺术, 戈布兰 (羊毛、棉质编织挂毯 ), 193x291厘米 (76 x 115英尺)
作品描述：
“这幅挂毯讲述放手”
Ludovic Thiriez
2018 年 Luxembourg Art Prize 获奖者
▸ Ludovic Thiriez于1984年出生于法国。 他与妻子和孩子住在匈牙利。
他的灵感来源是Adrian Ghenie、Albert Oehlen、Cecily Brown、Gerhard Richter、Marlene Dumas、Maurizio Cattelan、Michael Borremans、Neo Rauch和Peter Doig。
这是他首次参加Luxembourg Art Prize。
此次获奖，他将收获25,000欧元奖金的现金转账以及来自卢森堡美术馆和评委会成员的祝贺。奖金可由艺术家自由支配使用。
艺术经历：
生活是经验和情感的累积。我在画作的创作过程中正是从这一想法出发。我希望通过叠加多种元素和风格，创造新的平衡。
我童年时一直在做梦。我的父母总说我好像活在云中。现在，我用全新的视角，在我童年的幻想和童话故事中寻找灵感。它们往往源自旧照片或我自己的素描。
我的画作中经常出现刺绣和动物元素。刺绣代表代际的知识传播。在我所住的匈牙利，每个地区都有独特的刺绣图案和风格。刺绣的质量突显家庭对女性品格和技术的重视。这种技术在母亲和女儿间传承。
动物是儿童幻想的一部分，并且经常出现在童话中。我用动物作为自己故事的叙述符号，有时它们甚至成为了人物。
童年是人类的镜子，我们在其中能看到温柔、游戏、暴力、柔情、恶习、问题和爱情等。童年是原材料，而时间将会对其加以塑造。孩子慢慢地以纯洁天真的方式意识到自己作为人的本质。我正是希望在画作和研究中捕捉这一刻。我观察这种转变，选择合适的时刻，将作品主角放在新的环境中，以呈现一种感觉。我崇拜的当代画家迈克尔·博雷曼斯（Michael Borremans）在他的画展中表示，一幅画作需要的解释越少越好。当我在画布中“增添”不同的元素时，我总是不忘这个想法。撰写故事并知道何时该停下、何时该继续是一件困难的事，但同时也非常令人兴奋。有时我的画布会自然而然地被填满，有时它们非常干净。这取决于我画画时逐步浮现的感受。
《邻家男孩》（
介绍：
我们看到一群孩子边玩边笑。还有一个用更加抽象的方式呈现的小男孩：“邻居”，他看起来更加警惕，不那么放心。另一个孩子指着画布外的东西，这个东西可能也吓到了小鸟。然后则是这条黄线，它是一副草图，一个临时的几何结构，它位于沼泽中央，像一个逃脱并将继续变幻的梦境。
Jarik Jongman
2017 年 Luxembourg Art Prize 获奖者
▸ Jarik Jongman 于 1962 年出生于荷兰阿姆斯特丹。他在阿姆斯特丹生活和工作。启发他的艺术家分别是 Adrian Ghenie、Anselm Kiefer 和 Peter Doig。他是一位服务员。
两届 Luxembourg Art Prize 的候选人（2016 年、2017 年）
此次获奖，他将收获25,000欧元奖金的现金转账以及来自卢森堡美术馆和评委会成员的祝贺。奖金可由艺术家自由支配使用。
在其作品中，可以看出艺术家长期以来对时间飞逝、本体论、宗教和历史概念的着迷。 他的多个作品都以不同形式涉及到建筑：汽车旅馆的房间、等候室和破旧的建筑物，往往里面并没有人，但会引发怀旧和沉思的感觉，还会透出神奇或超自然的感触。
在他为 Luxembourg Art Prize 专门设计的最新作品中，他专注于他眼中我们这个时代的主要悲剧发展趋势。 就像所有的范式转换一样，几十年前就已经奠定了基础，而且我们正在目睹一切正在混乱中发展的事物。
社会经济压力、移民、难民危机、国际恐怖主义和气候问题正在引起全球范围内的焦虑。在这些问题所引发的恐惧感和失控感的基础之上，我们的后真理社会浮出水面，而美国总统唐纳德·特朗普的表现则与众不同。
艺术家使用了现代主义，或更具体地说，现代主义建筑作为一个起点，他体现了一个相当乌托邦的精神，隐藏着人类生活和社会的理想愿景，以及 相信进步。现代主义非常巧妙地把一个新的建筑形式和社会改革联系在一起，创造一个更加开放和透明的社会，相信在一个没有上帝的世界中，人类会更加完美。
约瑟夫·斯大林的崛起促使苏维埃政府以所谓的精英主义为理由拒绝现代主义。德国纳粹政府则相信自恋和荒谬的现代主义，以及“犹太人”和“黑人”。在一场题为《堕落的艺术》的展览中，纳粹展示了现代主义绘画更趋向精神病患者的作品。“形式主义”的指责可能导致职业的终结，甚至更糟。正因为如此，战后一代的许多现代主义者认为，他们是反对极权主义的最重要的堡垒，即“煤矿里的金丝雀”。
这位艺术家在 Luxembourg Art Prize 上展出的这些作品阐述了这些想法。 旨在表达一种紧迫感，火在作品中体现了重要的作用。在过去，火象征着转化，是世界玄学的不变因素。
这些建筑和别墅的意义已从单纯的功能性扩展到标志性和象征性地位，将它们描绘成崇高的、超然的、无法想象的、并受到不可逾越的恐怖力量所威胁。
威胁的感觉显而易见；不可逾越的恐怖力量侵入了现代性和启蒙性的象征。
"It’s Gonna be Great, it’s Gonna be Fantastic" - 2017 - 面板上的油 - 180 x 244 cm
John Haverty
2016 年 Luxembourg Art Prize 获奖者
▸ John Haverty 于 1986 年出生于美国波士顿。美国国籍，居住于美国马萨诸塞州。最欣赏的艺术家是 Dieric Bouts、Hieronymus Bosch 和 Salvador Dalí。在一家航空公司工作。
此次获奖，他将收获25,000欧元奖金的现金转账以及来自卢森堡美术馆和评委会成员的祝贺。奖金可由艺术家自由支配使用。
带有萨满教风格，John Haverty 的油画透露出了强烈的反省力量。“对我而言，每幅油画都是一次个人的旅行”。艺术家喜爱收集 60 至 80 年代的画册，热爱滑板文化和汽车改装文化，他将自己的兴趣融入自己的旅行中，“但我更喜欢大家能关注我的艺术本身，希望我的作品能为大家带来新的印象和观点”。
异想天开、怪异、美丽或丑陋，艺术家 John Haverty 的画作中似乎充满奇幻，“当我在创作时，我似乎也消失了。我就像一个生活在迷幻国度的好奇孩子”。艺术家的笔尖在滑动的时候，他会沉迷于线条中，任时光流逝好几个小时。对他而言，每条线、每个点都非常重要，这样才能形成一幅复杂的作品。但他的思维常常都是断断续续的，“每天都不一样，创作的过程充满了未知。因为每天都是不同的，每一种心情也是不同的。”当作品完成的时候，他发现自己已经将全部的情感融入到了这次旅行中，“这是我过往的真实写照。我的作品融合了我过往的情感”。
正如他的系列作品所想表达的那样，这幅画作起源于 2013 年：坏疽。“我的艺术似乎具有传染性，它会慢慢成长。《坏疽》是一场模糊的视觉盛宴，它想表达出社会中存在的麻烦……”。
《坏疽》给人强大的视觉冲击，非常吸引眼球。大部分画作都创作于艺术家二十多岁的时候，对于很多人而言，这是一个充满无奈的混乱时光，他的作品充满了很多感情。然而，John Haverty 并不是一个易怒的人，他的强烈感染力来源于其他地方，“我在少年时看过很多恐怖电影。虽然我会被吓得发抖，但我很喜欢那些经典怪物，这种体验也贯穿在我的旅行中，对我的影响很大。在科德角，我的家就在海边，环境相当险恶，有时我会觉得在和自己的灵魂对话。在某种程度上，我认为这一切都非常有趣”。
通过他的系列作品，无论是从生理上还是心理上，观众都能够身临其境，感受到画家的感情。“我无法用语言来形容我的画作。我只能用视觉去体会它。我的目标是在几秒内抓住观众的注意力”。
《马戏团》，2015 年，《坏疽》系列，纸上圆珠笔水彩画，120 x 120 cm，单幅
Albert Janzen
2015年Luxembourg Art Prize获奖者。
▹ Albert Janzen1989年出生于俄罗斯Sibirskiy。26岁。德国国籍，居住在荷兰阿姆斯特丹。他曾受到多位艺术家的影响，包括Gerhard Richter、 Cy Twombly、Zao Wou-Ki和Antonio Murado。
此次获奖，他将收获1万欧元奖金的现金转账以及来自卢森堡美术馆和评委会成员的祝贺。奖金可由艺术家自由支配使用。
我仔细观察了图像的基本构成，即线条。通过这些线条，可以更加直观地了解我们的坏境。对可视结构的认知依赖于对线条的识别。这是由于线条具有绝对简单的纹理。虽然它们如此简单，但是任何设计作品都离不开线条。一切都可以用线条构造，但没有任何事物能够构造出线条。线条的唯一基本结构可能就是点。然而，由于点是我作品的基本构成，因此，我也同样将点作为基本要素。线条的极致简约形成了一种独立的美。线条并不代表某种理念，因为线条本身可以视为一个独立结构。为了揭示线条的美学所在，就必须将其作为自身的参照物。在我的作品中，线条不仅是为了构建某些事物，也是为了构建线条其本身。出现在我作品中的形状和图案并不是为了表现其他意图，而是为了体现出线条的运动。我将这些线条视为一个独立的实体。
