Подать заявку прямо сейчас!
Нажмите здесь

Победители «Люксембургской художественной премии»

Тремя лауреатами премии Luxembourg Art Prize 2021 стали…

3 лауреатами 7-й премии Luxembourg Art Prize стали художники из Бразилии, Канады и Литвы:

1-е место: Селина Портела, Бразилия
2-е место: Фрэнсис О'Шонесси, Канада
3-е место: Лайсвиде Шалчюте, Литва.

Лауреаты делят между собой сумму в 80 000€ (примерно 100 000 USD) и могут потратить причитающуюся им долю по своему усмотрению. Сумма распределяется в соответствии с рейтингом, установленным независимым жюри: в зависимости от занятого места лауреаты получают суммы в 50 000€, 20 000€ и 10 000€.

Селина Портела (Бразилия), лауреат 1 степени премии Luxembourg Art Prize 2021

▸ Селина Портела родилась в Рио-де-Жанейро (Бразилия) в 1977 году. В 2021 году ей исполнилось 44 года. Сейчас она живет и работает в Рио-де-Жанейро.

Ее вдохновляют следующие деятели искусства: Андреа Фрейзер, Эрвин Вурм, Хелена Альмейда, Ивонна Райнер, Ана Линнеманн, Ленора де Баррос, Кармела Гросс, Триша Браун, Лилиана Портер, Ребекка Хорн, Фишли и Вайс, Роберт Моррис, Ричард Серра и Денис Оппенгейм.

Она получает сумму в 50 000€, соответствующую 1-му месту, поздравления музея и членов жюри. Она может использовать полученные средства на свое усмотрение.

«Прежде всего, я интересуюсь междисциплинарными исследованиями изображения, движения и тела. Мои исследования устанавливают связь между фото- и видеоэлементами, на различных носителях. В последние годы я работала с инсталляциями, произведениями, в которых, в частности, ставится вопрос об изображении тела и его отношениях с пространством. Я работаю на пересечении разных жанров, которые задействую одновременно, и вхожу в соприкосновение с миром танца, перформанса, архитектуры, кино и в последнее время скульптуры. Моя работа имеет глубокие связи с хореографией из-за моего профессионального опыта в области танца, как в качестве танцовщицы, так и соавтора, с чем связан мой интерес к действиям тела и проблемам, касающимся его изображения.

После своих первых видео я занялась углубленными исследованиями изображения тела в натуральную величину и наложения изображений, добавляя архитектурную реальность в свои работы. Проекции привели меня к вопросам о носителях для изображений и видео и об использовании новых изобразительных средств и технологий.

Я тогда начала создавать серию произведений, где тело предстает на изображении во взаимодействии с краями рамки, материальным образом включая мир объектов или скульптуру в изначально виртуальное поле. Устанавливая диалог между языком тела и изобразительным средством, я стремлюсь сделать фотографию и видео структурными элементами произведения, чтобы перформанс и изобразительное средство соединились и стали неразделимы.

Центральная точка моей работы, таким образом, сосредотачивается на грани между виртуальной реальностью и действиями тела, в попытке затуманить границы и смешать реальность с выдуманным миром. Используя тромплёй и радикальным образом интегрируя изобразительные средства, я работаю в двойственной зоне между материальным и нематериальным, между объективностью мира и иллюзией».

Избранное произведение:
« Corte/1 » (Раскройка/1), 2019, Вырезанная фотография, 135x95 см.

Описание:
«В произведении "Corte/1" бумага, на которой напечатана фотография, физически вырезана таким образом, чтобы реальная выкройка совпадала с действием, представленным на изображении. Произведение входит в серию, в которой я материализую действие, представленное на изображениях, фотографиях, видео и холсте. Мое тело, взаимодействуя с изображением, вырезает бумагу, на которой оно материализуется, изменяя мое собственное изображение и создавая связь между изображением и материей».

Фрэнсис О'Шонесси (Канада), лауреат 2 степени премии Luxembourg Art Prize 2021

▸ Фрэнсис О' Шонесси родился в 1980 году в Леви (Квебек, Канада). В 2021 году ему исполнился 41 год. Он живет в Монреале, в канадской провинции Квебек.

Его вдохновляют следующие деятели искусства: Салли Манн, Алекс Тиммерманс и Борут Петерлин.

Он получает сумму в 20 000€, соответствующую 2-му месту, поздравления музея и членов жюри. Он может использовать полученные средства на свое усмотрение.

«Из-за пандемии COVID-19 мне было сложно продолжать свои фотографические исследования, потому что я больше не мог принимать у себя моделей для исследований. Тогда мне пришла в голову идея поставить карданную камеру перед компьютером, чтобы превратить оригинальные цифровые картины в фотографии, сделанные по технике мокрого коллодия. Я хотел переосмыслить свои предыдущие работы и «поместить в новый контекст», заново интерпретировать свои любимые произведения. Результат оказался таким интересным, что я создал целую серию. Таким образом, я состыковал старинные методы с современной технологией.

В противоположность цифровой фотографии, мокрый коллодий — это старый метод, лежащий в основе фотографии (1851 г.). Если говорить вкратце, чтобы применить эту технику, я должен приготовить желтоватый сироп, называемый мокрым коллодием, и намазать его на алюминиевую пластину. Затем я вставляю эту пластину в карданную камеру, чтобы сделать фотографию. С помощью различных химических компонентов я проявляю негатив, а затем получаю позитив. Алюминиевую матрицу я покрываю лаком, что сохранить снимок невредимым в течение ста лет. И наконец, я оцифровываю пластину, чтобы отпечатать фотографию на бумаге большого формата.

С помощью этого традиционного изобразительного средства я исследую материальность изображения, выводя на первый план ошибки, неровности, несовершенства и размытости. Меня интересует выполняемая вручную работа. Мне необходимо вложить свои силы в искусство, стимулирующее чувства. Иными словами, я ставлю на человека прежде нематериальности и машины (обработки на компьютере). Это обратная эволюция по сравнению с массовым производством, потому что моя фотолаборатория — это и есть моя программа для ретуши. Мне нравится думать, что я являюсь представителем античного художественного авангарда, движения, в которое входят современные фотографы, сопротивляющиеся современным технологическим процедурам и методам.

В коллодионном процессе нет решающего момента, есть только время. Это переключение на режим «слоу фотографии», потому что я записываю скорее промежуток времени, а не мгновение. Время видимо: коллодий течет на пластину или засыхает через какой-то промежуток времени. Слоу фотография — это работа с медленным процессом, и это ценно в эпоху больших скоростей».

Избранное произведение:
«Пластина 58», 2020 – Мокрый коллодий

Описание:
«С 2021 года я стараюсь вызывать больше ошибок с живописным характером; это мое новое направление для исследований и творчества. Мне понадобилось произвести более 160 пластин (удачных и неудачных) с мокрым коллодием, чтобы понять, как выгодно представить формальные текстуры в своей работе. Эти формальные текстуры местами напоминают живопись и при этом частично удаляются от описания реальности. С начала пандемии я ищу в своих исследованиях не возвращения к (нео)пикторализму, но идею современной живописи посредством фотографии, которая воздерживается от ее копирования. Для получения разорванных изображений я использую работы, способствующие безумию и ошибкам автора, чтобы оставить для зрителя сильный визуальный автограф».

Лайсвиде Шалчюте (Литва), лауреат 3-й степени премии Luxembourg Art Prize 2021

▸ Лайсвиде Шалчюте родилась в 1964 году в Литве. В 2021 году ей исполнилось 57 лет.

Ее вдохновляют следующие деятели искусства: Барбара Крюгер, Грейсон Перри, Джон Балдессари, Луиза Буржуа, Нео Раух, Марсель Дзама и Эрнан Бас.

Она получает сумму в 10 000€, соответствующую 3-му месту, поздравления музея и членов жюри. Она может использовать полученные средства на свое усмотрение.

«Предложенные на Luxembourg Art Prize произведения входят в серию «Melusine’s Paradise» («Рай Мелюзин»). Речь идет о визуальной сказке для взрослых, одновременно провокационной и забавной, навеянной Байесовскими статистическими методами. Эти методы основываются на теореме вероятности, определяющей вероятность, при том что при наблюдении за ситуацией известна только часть информации. Программа защиты от «спама» была создана на основе теоремы Байеса. Немногие будут отрицать тот факт, что РАЙ — это самое радостное место, которое можно найти и где заботятся об окружающей среде, и что «спам» — всего лишь мусор, способствующий «информационному загрязнению» современного мира. Спам неэкологичен. В нашей повседневной жизни нас постоянно окружает информация и цифровые изображения, «рассказывающие нам истории», превращающие идеи в визуальные образы, создающие путаницу и размывающие информацию до бесконечности, при этом давя на жалость. Я считаю этот визуальный и информационный поток неэкологичным и пытаюсь ему противостоять. Именно поэтому я разработала «экологичную» творческую методику: в Интернете я собираю наугад тексты и изображения, которые меня интересуют, и перерабатываю их, как перерабатывают пластиковые бутылки, переписываю, изменяя контекст и значение по принципу парадокса. А потом я использую их снова, чтобы создать новое произведение — визуальную волшебную сказку для взрослых, представляющую нашу реальность такой, как она сконструирована через воспроизведение. Сказки и истории — сами по себе средство информации. Испокон веков человечество с помощью сказок рассказывает о своем духовном и конкретном опыте, это настоящий универсальный язык. Именно такого результата я и хочу добиться своим творчеством. Мелюзина, моя выдуманная антигероиня, часто присутствует в моем творчестве. Она иронично и метафорически высказывается об отношениях, социальном статусе и антистатусе в нашей современной жизни, от которой она тоже зависит. Она также высказывается о театральных мистификациях нашего общества потребления и соответствующем трагикомичном идиотизме, мотивированных поиском самой важной ценности общества потребителей: "счастливой жизни".»

Избранное произведение:
«The Rape of Europe», 2019 («Похищение Европы»), Гравюра на дереве, масляные краски, акрил, холст, 159 x 159 см

Описание:
«Персонаж с ореолом и светящимися глазами — моего авторства. Он вдохновлен Мелюзиной, героиней мифов и европейского фольклора, которую также можно найти во всех моих недавних произведениях. Метод реализации (техника) этих произведений начинается с гравюры на дереве, рисунок затем переносится на холст с помощью ложки, позволяющей тщательно соскрести масляную краску ручным методом с «рисунка» на холст. Когда холст высохнет, я заканчиваю картину вручную. В этом документальном видео вы можете познакомиться с методом: https://youtu.be/wC2iAaOGiVs
Я создала эту серию произведений с участием моего персонажа Мелюзины, когда музей Палаццо Дукале в Мантуе пригласил меня принять участие в выставке «Coming Out» с итальянским скульптором Гехардом Деметцом в 2019 году. Мой выбор художественного средства для выставки в Палаццо Дукале не случаен: используемый мной метод отнимает много времени и требует много ручной работы и терпения. Этот выбор вписывается в диалог с авторами произведений, представленных в Палаццо, и со скульптором Гехардом Деметцом. Произведения, которые я создала, думая об этой выставке, имеют отношение к эмоциям. Они (само)ироничны. Для переживания эмоций необходимо тело. Поэтому я использовала свои руки в качестве инструмента для создания этих произведений, ведь они тесно связаны с моим мозгом, в котором заключены эмоции. Я гравировала дерево вручную, потому что дерево также имеет тело, которое может испытывать эмоции, дерево имеет историю: оно растет, пускает почки, много всего происходит вокруг него, и вдруг кто-то его срубает. Я в каком-то смысле слушаю его историю, гравируя его, а потом я рисую на холсте новые истории об эмоциях современных людей.»

Лионель Сабатте, лауреат премии Luxembourg Art Prize 2020

▸ Лионель Сабатте родился в Тулузе (Франция) в 1975 году. Он живет и работает в Париже (Франция) и в Лос-Анджелесе (Калифорния, США).

Вот художники, вдохновляющие его: Альберто Джакометти, Пьер Сулаж, Томас Хаусиго и Поль Ребейроль.

Он получает премию в размере 50.000€, которые будут перечислены на его банковский счет, и поздравления от музея и членов жюри. Он может использовать полученные средства на свое усмотрение.

В центре внимания художника — живой мир, а также трансформации материи под воздействием времени, и он уже много лет ведет сбор материалов, которые несут на себе следы прошедших лет: пыль, пепел, уголь, омертвевшие частички кожи, деревянные коряги… Художник неожиданным образом комбинирует эти элементы, и таким образом созданные произведения несут в себе одновременно изящество и «тревожащую странность», даря жизнь гибридному бестиарию, в котором обитатели морских глубин соседствуют с оксидированными островными птицами, медведями, волками, эму, совами и даже единорогами…

Лионель Сабатте, занимаясь одновременно живописью, рисунком и скульптурой, стремится к диалогу между своими произведениями и поддерживает их постоянную взаимосвязь. Его исследования в области минералов, животных и органики приводят к появлению поэтических, впечатляющих и смущающих произведений, которые участвуют в глобальном размышлении о нашем бытие и том месте, которое мы занимаем в окружающем нам мире.

«Активистское вторичное использование материалов у Сабатте не ограничивается заботой об экологии и окружающей среде. Можно сказать, что речь идет о спасительном «скачке». Эта переработка материалов свидетельствует о беспокойстве на тему выживания живого мира, об ожидании рывка для желанного бегства от невыразимо неумолимого бытия, в «гуманистических» терминах послевоенного времени. Сбор «клубков пыли» на станции метро Шатле в Париже, склеивание частичек омертвевшей кожи, собранных в салонах педикюра, и сращивание их с кусками железа, дерева, цемента, мертвыми ветками — все это напоминает работу старьевщика в прежние века или то, как дети и женщины на диких свалках в Африке и Азии ищут в кучах мусора еду или вещи на продажу и обмен, чтобы выжить. Старьевщик, упоминавшийся Шарлем Бодлером и названный Уолтером Бенджамином «самым провокационным образом человеческой нищеты», — это человек, который собирает все: «старую бумагу, пробки, кости, обрывки картона, гвозди, битое стекло, трупы кошек и собак, выброшенные на дорогу в нарушение законов, волосы, одним словом, все, что может быть продано». В кучах мусора, отбросах, отходах, хламе Виктор Гюго видел «цветущий луг», зеленую траву, жизнь. Произведения Сабатте пробегают все эти темы и напоминают ремарку Бенджамина, сравнившего писателя Зигфрида Кракауэра с люмпенпролетарием («пролетарием в лохмотьях»): «Старьевщик, ранним утром, на рассвете дня революции». Именно так следует видеть это челночничанье между природой и культурой, которое уходит в сторону от рефлексии на центральную тему западной мысли, вместе с тем не отказываясь ее обсуждать». Бернар Сейсон, 2019 г.

Отобранное произведение:
«Красная подкожная фортуна», 2019 г. – Холст. Масло. 130x130 см (51 x 51 дюйм).

Описание:
«Мои картины, написанные маслом и акриловой краской, начинают диалог с другими художественными средствами, с помощью которых мой пластический мир раскрывает все свое богатство. Я использую цвета, растворяющиеся одни в других, и отдаю первоочередное значение водной ипостаси, которая придает произведению его органический, минеральный вид. С помощью ярких контрастных пятен я напоминаю о следах времени, о постоянных естественных изменениях и о движении, которое является неотъемлемой чертой любой формы жизни. Если из этих мистических картин, близких к эстетике хаоса (в греческой мифологии «Хаос» — это первичная структура, из которой рождается вселенная), могут возникнуть узоры, зрителю дается свобода воображения, и он может различить в каждой картине то глаз, то птицу, медузу, пейзаж или небо».

Jenny Ymker
Лауреат премии Luxembourg Art Prize 2019 года

▸ Йенни Имкер родилась в 1969 году в Нидерландах. Живет в Нидерландах, в Тильбуре.

Художники, которые вдохновляют: Синди Шерман, Франческа Вудман, Грейсон Перри и Луиза Буржуа.

Йенни третий раз участвует в конкурсе Luxembourg Art Prize.

Она получила премию в размере 50 000 евро, и ее поздравили Эрве Ланселен, президент Пинакотеки, члены жюри и публика.

«Мир воображаемого может казаться более реальным, чем сама реальность».

С 2013 года мое творчество — плетение гобеленов на основе фотографий. Первоначально термин «гобелен» применялся только к гобеленам, сделанным на фабрике семьи Гобелен в Париже. Сегодня это слово обозначает тканые ковры в целом. Я использую термин «гобелен», потому что мне нравится звучание этого слова, но в первую очередь потому, что оно имеет исторический оттенок.

Сначала гобеленами накрывали каменные стены замков, чтобы от них не веяло холодом. Вскоре гобелены начали играть скорее декоративную роль. Классические гобелены имеют свой сюжет. С помощью современной формы этой традиционной техники ткачества, дошедшей к нам от наших предков, я представляю сюжеты из сегодняшней жизни.

В своих работах я изображаю ситуации, которые напомнят зрителям их собственные истории. Я всегда стараюсь не раскрывать историю слишком буквально, чтобы у зрителя была возможность подумать о чем-то своем. Я считаю, что рассказывать истории важно, потому что способность это делать, по моему мнению, является неотъемлемой частью нашей сущности. Я долго работала в области здравоохранения. Там я поняла, что если человек больше не может рассказывать о событии, даже о незначительном, он постепенно утратит чувство собственной значимости.

Когда у меня появляется идея для новой работы, я пытаюсь найти подходящую обстановку, а также одежду, обувь и аксессуары, сочетающиеся с этой обстановкой. На месте я создаю сцену, а затем делаю снимки с помощью камеры с автоспуска, или же меня снимает ассистент. Одной из крупных тем моего творчества является отчужденность. Я тщательно выбираю костюмы, сумки и обувь из былых времен. С их помощью я хочу подчеркнуть чувство оторванности от окружения. Именно поэтому я приняла решение ткать, а не печатать.

Мои работы представляют собой определенного рода личные перформансы, которые я запечатлела на фотографиях. Я сама выступаю в качестве модели для своих произведений. Конечно же, это удобно, потому я всегда готова к работе. Но для меня это также важный элемент творческого процесса: я создаю определенный «мир» и становлюсь его частью в этот конкретный момент, чтобы на мгновение пережить определнную ситуацию.

Когда у меня получается хорошая фотография, я использую ее как сюжет для ткачества. Вместе с ткачом я выбираю шерстяные и хлопковые нитки подходящих цветов. Затем я тку несколько образцов. После изучения образцов я вношу изменения и небольшие правки, после чего тку гобелен в его окончательном виде. В зависимости от изображения я решаю, будет ли гобелен цветным или я сотку его из черной, серой и белой нити. На некоторых гобеленах я затем делаю вышивку, чтобы подчеркнуть значимость определенных элементов в теме произведения.

Я люблю технику гобеленного ткачества и вышивку: мне нравится, как лабиринт цветных нитей складывается в образ. Я использую притягательность материала, чтобы пригласить зрителя подойти поближе. В этот момент он понимает, что изображение было обманчивым.

Отобранное произведение:
«Ушедшее» («Vervlogen (Bygone)»), 2018 год, декоративные искусства, гобелен (тканый гобелен, шерсть и хлопок), 193 x 291 см (76 x 115 дюймов)

Описание:
«Этот гобелен о том, что нужно уметь отпускать».

Людовик Тирье
Лауреат премии Luxembourg Art Prize 2018 года

▸ Людовик Тирье родился в 1984 году во Франции. Живет в Венгрии с женой и детьми.

Художники, которые его вдохновляют: Адриан Гени, Альберт Оэлен, Сесили Браун, Герхард Рихтер, Марлен Дюма, Маурицио Каттелан, Михаэль Борреманс, Нео Раух и Питер Дойг.

Это было его первое участие в Luxembourg Art Prize.

Он получает премию в размере 25.000€, которые будут перечислены на его банковский счет, и поздравления от музея и членов жюри. Он может использовать полученные средства на свое усмотрение.

Творческий подход: Жизнь – это накопление опыта и чувств. На основе этой идеи построен мой творческий процесс в живописи. Идея состоит в том, чтобы накладывать различные элементы и стили для создания нового баланса.

Свое детство я провел в мечтах. Родители всегда говорили мне, что я витаю в облаках. Сегодня, глядя немного со стороны, я опираюсь на сказки и воображение своего детства. Меня часто вдохновляют старые фотографии или мои собственные снимки.

Я нередко использую вышивку и животных в своих картинах. Вышивка напоминает о передаче знаний между поколениями. В Венгрии, где я живу, у каждого региона были свои узоры и стиль. Качество вышивки в доме показывало умение и мастерство женщины. Это мастерство передавалось от матери к дочери.

Животные занимают место в мыслях детей и очень часто встречаются в сказках. Я использую их как символ повествования в своих собственных историях, иногда они сами становятся персонажами.

Детство – это сказочное зеркало человечества, где мы находим нежность, игру, жестокость, ласку, порок, вопросы, любовь и т. д. Сырой материал, который пройдет обработку временем. Ребенок медленно осознает свое положение Человека с большой чистотой и наивностью. Именно этот момент я пытаюсь запечатлеть в своей работе и исследованиях. Я наблюдаю этот переход, выбираю моменты, перемещаю предметы, чтобы передать ощущение. Михаэль Борреманс, современный художник, которым я восхищаюсь, сказал на одной из своих выставок, что чем меньше картина нуждается в объяснении, тем она лучше. Когда я располагаю разные элементы на холсте, я всегда стараюсь держать эту мысль в голове. Очень сложно и в то же время увлекательно сочинять, знать, в какой момент история останавливается или продолжается. Иногда мои картины наполняются естественным образом, иногда они совершенно чисты, все зависит от ощущения, возникающего при рисовании.

Избранные произведения:
«Мальчик из окрестностей» (« The boy from the neighborhood »), Акрил, тушь, масло, льняной холст, 140 х 170 см

Описание:
Мы видим группу детей, которые улыбаются, веселятся, смеются. Здесь также представлен маленький мальчик, изображенный более абстрактно: «сосед», он выглядит более настороженным и не таким спокойным. Другой ребенок показывает пальцем на что-то за пределами холста, нечто, что также могло отпугнуть птиц. А потом, эта желтая линия, эскиз, временная геометрическая конструкция, которая находится посреди болота, как во сне, который ускользает и переходит на что-то иное.

Джарик Йонгман
Лауреат премии Luxembourg Art Prize 2017 года

▸ Джарик Джонгман родился в 1962 году в Амстердаме, Нидерланды. Он живет и работает в Амстердаме. Художники, которые вдохновляют его - это Адриан Гени, Ансельм Кифер и Питер Дойг. Он работает официантом.

2 раз кандидат на премию Luxembourg Art Prize (2016 г., 2017 г.)

Он получает премию в размере 25.000€, которые будут перечислены на его банковский счет, и поздравления от музея и членов жюри. Он может использовать полученные средства на свое усмотрение.

В своей работе на протяжении всех этих лет художника притягивали понятия мимолетности, онтологии, религии и истории Многие из его работ включают в себя архитектуру в той или иной форме: номера гостиниц, залы ожидания и ветхие здания, часто без человеческого присутствия, вызывающие чувство ностальгии и созерцания, с ощущением прикосновения к чудесному или сверхъестественному.

В своей последней работе, созданной специально для премии Luxembourg Art Prize, он фокусируется на том, что рассматривает в качестве главного трагического развития нашего времени. Как и во всех сдвигах парадигмы, основы были заложены десятилетиями назад, и мы наблюдаем то, что развивается в растущем беспорядке.

Социально-экономическое давление, иммиграция, кризис беженцев, международный терроризм и экологические проблемы вызывают беспокойство в глобальном масштабе. Опираясь на страх и отсутствие контроля над этими проблемами, появляется наше общество пост-правды, которое олицетворяет собой, как никто другой, Дональд Трамп, Президент Соединенных Штатов.

Художник использовал модернизм, а точнее модернистскую архитектуру, как отправную точку идеи, которую он воплотил в довольно утопическом духе, выражая идеальные видения человеческой жизни и общества, а также веру в прогресс. Модернизм был очень обеспокоен идеей объединения новой архитектурной формы и социальной реформы, создающей более открытое и прозрачное общество, которое верит в совершенствование человека в мире без Бога.

Укрепление власти Иосифа Сталина побудило советское правительство отказаться от модернизма на основании предполагаемого элитизма. Немецкое нацистское правительство осуждало нарциссический и абсурдный модернизм, а также «евреев» и «негров». Нацисты выставляли модернистские картины наряду с работами психически больных на выставке под названием "Вырожденное искусство". Обвинения в "формализме" могли привести к концу карьеры или еще к чему похуже. Именно по этой причине многие модернисты послевоенного поколения считают, что они были самым важным оплотом против тоталитаризма, "предвестниками надвигающейся беды".

Картины, представленные художником на Luxembourg Art Prize, затрагивают эти вопросы. Цель состоит в том, чтобы передать ощущение неизбежности, и огонь играет в этом очень важную роль. Огонь - это древний символ трансформации, метафизическая постоянная мира.

Эти здания и виллы, значение которых было расширено от простой функциональности до знакового и символического статуса, изображаются художником возвышенными, трансцендентными, желанными, но также под угрозой непостижимых и враждебных сил.

Чувство угрозы ощутимо; непостижимые и враждебные силы вторгаются в этот символ современности и просветления.

"It’s Gonna be Great, it’s Gonna be Fantastic" - 2017 - Масло на панелях - 180 x 244 cm

Джон Хаверти
Лауреат премии Luxembourg Art Prize 2016 года

▸ Джон Хаверти родился в 1986 году в Бостоне, США. Он является гражданином США и живет в штате Массачусетс в Соединенных Штатах. Художники, которые вдохновляют его, это Дирик Боут, Иерони́м Босх и Сальвадор Дали. Он работает в авиакомпании.

Он получает премию в размере 25.000€, которые будут перечислены на его банковский счет, и поздравления от музея и членов жюри. Он может использовать полученные средства на свое усмотрение.

Близкая к шаманству, картина Джона Хаверти несет в себе весьма заметную интроспективную силу. «Каждая картина является для меня личным путешествием». Художнику нравятся ретроальбомы 60-80 годов, культура скейтборда и культуры Hot Rod, он смешивает свои интересы со своими путешествиями, «но я предпочитаю, чтобы каждый рассматривал мое искусство само по себе, развивая свое собственное мнение и свои образы вокруг моих работ».
Одновременно причудливые, странные, волшебные, красивые или некрасивые, рисунки художника Джона Хаверти рассказывают об этом, «когда я работаю, я теряюсь. Я как любопытный ребенок в стране психоделических чудес». Он может потратить долгие часы на детали, линии, которые его гипнотизируют. Каждая линия или точка для него важны, это делает его работу сложной живописью. Но идея, которая им движет, редко завершена, «каждый день отличается от предыдущего, всегда есть неизвестное в творческом процессе. Как каждый день отличается от предыдущего, каждое настроение различно». Позже, созерцая готовую работу, он находит чувства и мысли, которые руководили им в этом путешествии, «у меня есть фотографии, которые показывают реальность моего прошлого. Но мои картины показывают чувства моего прошлого».
Так появился его монументальный проект, гигантская картина, которую он начал в 2013 году: Гангрена. «Мое искусство, также как и инфекция, представляет собой единое целое, которое продолжает расти органически. Гангрена представляет собой неоднозначный визуальный праздник, который выдвигает на первый план неприятные проблемы общества».
Гангрена является визуально жестокой работой, которая мгновенно привлекает взгляд. Большинство картин, которые составляют роспись, были созданы в его двадцатые годы, в сложный период сильного разочарования для многих людей, и его картины передают именно такие чувства. Тем не менее, Джон Хаверти не считает себя недовольным человеком, причины такой жестокости в других источниках, «когда я был подростком, я смотрел много фильмов ужасов. Трепет страха и любовь к классическим монстрам смешиваются с моими путешествиями и сильно влияет на меня. В Кейп Код мой дом на пляже довольно зловещий, иногда я чувствую, что нахожусь в присутствии духов. Я думаю, что каким-то образом все это меня интересует».
Для своей монументальной работы художник показывает захватывающие произведения, перед которым зритель склоняется как психологически, так и физически. « Мне трудно найти слова, чтобы объяснить мои картины. Интерес для меня визуален. Моя цель состоит в том, чтобы привлечь внимание зрителя хотя бы на несколько секунд».

« Circus », 2015 г., серия « Gangrene », ручка и бумага, акварель, 120 x 120 см, одиночная работа

Альберт Жанзен
лауреат премии Luxembourg Art Prize в 2015 году

▹ Альберт Жанзен родился в 1989 году в Сибирский, Россия. Ему 26 лет. Гражданин Германии, он живет в Амстердаме, Нидерланды. Его вдохновляют художники Герхард Рихтер, Си Твомбли, Зао Ву-Ки и Антонио Мурадо.

Он получает премию в размере 10.000€, которые будут перечислены на его банковский счет, и поздравления от музея и членов жюри. Он может использовать полученные средства на свое усмотрение.

Я изучаю основные аспекты изображений, то есть линию. Линии являются наиболее интуитивным способом воспринимать и понимать нашу окружающую среду. Каждое восприятие визуальных структур зависит от распознавания линий. Эта зависимость обусловлена абсолютной простотой линий. Они настолько просты, что ничто не может быть создано без них. Все может быть построено из линий, но ничего не создает линии. Единственный кандидат на структуру, лежащую в основе линий, это точка. Однако, поскольку точки являются важными элементами моих рисунков, я также считаю их фундаментальными. Чрезвычайная простота линий обеспечивает их независимую эстетику. Они не представляют идеи, так как они построены только из самих себя. Чтобы выявить свою эстетическую важность, линии должны быть своей собственной системой отсчета. Я рисую линии не для того, чтобы что-то построить, а для того, чтобы просто рисовать линии. Формы и мотивы, которые появляются в моих рисунках, служат только для выявления движения линий. Смотря на мои линии, зритель сталкивается с независимой системой.

Albert Janzen

Без названия, 2015 год. Пять черных фломастеров на белой доске (эфемерная работа, сфотографированная до ее уничтожения). Печать на Forex. Уникальная работа. Издание 1/1. 150 х 200 см